Hola queridos fans, pronto subiré el volumen II de las buddy movies ^-^ así que tranquilos que en 2014 lo hago.
Se acaba el año y me pongo nostálgico. Para estos momentos nada mejor que un clásico, os traigo una de las escenas más recordadas de esta gran película protagonizada por los Hermanos Marx.
Una escena muy representativa de los Hermanos Marx,impregnada de su estilo peculiar,unos personajes extraños que no encajan con el resto, en apariencia y actitud, que mantienen una conversación surrealista fingiendo que se entienden a la perfección.
Los protagonistas son Groucho, que interpreta a un promotor de ópera (famoso en todo el mundo solo para él mismo), y Chico que interpreta al amigo (reconvertido a representante de estrellas en este caso) del cantante/divo que quiere firmar Groucho para su famoso espectáculo (Inexistente) en Nueva York, ambos son unos timadores que no se fían de nadie, así que en este caso les resultará complicado o muy fácil llegar a un acuerdo absurdo, juzgad vosotros mismos.
Nada mejor que acabar el año con una sonrisa ¿no creéis?
Película que recomiendo siempre encarecidamente, en ocasiones violentamente, a todo el mundo.
Espero que os guste tanto como a mi. P.D. No sera la última escena de estos grandes os lo aseguro.
Buenas gente, llega la navidad y con ella las Buddy Movies, empiezo esta nueva sección con este tema porque es un clásico en el cine, para todos existe una pareja del cine por antonomasia, en distintos tipos de géneros, pero hoy os traigo parejas del cine de acción.
Hoy empezare con 3 parejas (porque el jefe dice que de tres en tres y no se que más) aunque seguramente acabaré ampliando ya que hay bastante donde elegir, lo que importa es que aquí os dejo 3 de las mejores parejas que yo he disfrutado en el cine de acción, como es el volumen "1" empiezo con los dúos que han compartido más veces la pantalla, como son:
Mel Gibson y Danny Glover Como no iban a estar estos 2 aquí, los protagonistas de "Arma letal", 4 películas en las que nos han divertido y ofrecido acción a caudales.
Estos 2 son una referencia en el cine policíaco desde que se estreno la primera parte en el 87, hasta el 98 donde se cerro la saga con la cuarta entrega.
La estética ochentera le da un toque carismático y la frase "Estoy demasiado viejo para esto" siempre nos viene a la mente al ver a Danny Glover en cualquier película, su papel de Roger Murthaug es el que más huella ha dejado, pese a otros papeles bastante importantes.
Que para quién le guste la acción clásica donde un par de polis pueden con cualquier cosa, aquí tenéis una colección que no podéis dejar de ver, la primera película comienza con el ultimo día de trabajo de Roger antes de jubilarse, suerte que decidió continuar en el oficio XD, cuando algo funciona en el cine hollywoodiense se tiende a repetir y por eso tenemos 4 entregas de "Arma letal".
Jackie Chan y Crish Tucker En el 98 despedimos a Martin y Roger, pero aparecen el detective Lee y el agente James Carter, una pareja de polis que no dejaran a nadie indiferente, con coreografías de artes marciales de la mano de Jackie Chan y el humor "bocazas" del cómico Crish Tucker.
Estos 2 tenían que estar y lo sabéis, debo reconocer que son mi debilidad ya que mezcla los géneros que más me gustan, la comedia y las artes marciales, las tramas policiales son un añadido al cóctel ^-^.
Si hubiera que definir la película con un solo género, sería la comedia, pero bebe de los otros 2 continuamente y las tramas de las películas están muy bien elaboradas. La saga consta de 3 películas, la primera "Hora Punta"(98), después "Hora Punta 2"(2001) y termina con "Hora punta 3"(2007), las aventuras de estos dos han tenido mucho éxito en taquilla y por eso llegamos a las 3 entregas, doy gracias, pero a cualquiera que le guste poner una peli para reírse un rato y ver unas buenas escenas de acción al estilo Jackie, tiene aquí el producto perfecto.
Samy Naceri y Frédéric Diefenthal
Como no, la pareja de "Taxi Express", una saga de películas de producción europea, con acción a lo hollywood y humor francés. Samy da vida a Daniel, el excéntrico taxista con un nivel de conducción a la altura del campeón del mundo de rally, por su parte Frédéric da vida a Emilian un policía que es incapaz de aprobar el carnet por su ineptitud al volante.
Grandes persecuciones en coche, con adrenalina y comedia como bandera, la saga comienza cuando Daniel es aceptado como taxista tras 6 años de espera, por casualidad su primer cliente es la madre de Emilian y guarda su tarjeta, por su lado Emilian suspende por octava vez el examen y cuando necesita un taxi decide llamar a Daniel, durante el viaje a comisaria viola todas las leyes de circulación, cuando Emilian esta a punto de quitarle la licencia tiene una idea, para aprovechar su habilidad al volante lo contrata 1 mes para ayudarle con un caso de atraco a bancos, los criminales son alemanes y siempre escapan en sus mercedes gracias a su habilidad al volante. Así comienza la relación de estos 2, que nos han acompañado en "Taxi Express"(98), "Taxi 2"(2000), "Taxi 3"(2003) y termina con "Taxi 4"(2007).
Como la anterior pareja son una de mis debilidades, así que os recomiendo verlas, sobre todo si solo os apetece pasar un buen rato con risas y coches a toda velocidad.
Espero que os guste la entrada y sino pues que Luis me despida ^-^
Hola gente, hoy os traigo una película de animación, "El samurái sin nombre", pero eso sí, del género que os mola, peleas de samuráis y ninjas, si no nadie entraría en este blog ¿Verdad? No os fallo pese a que el jefe, don Luis el magnifico, está en Polonia y no me manda los cheques...
"Sword of the Stranger" del director Masahiro Andô y el guionista Fumihiko Takayama. La película tiene una animación muy buena, el guión está basado en la historia de Batusai, los que hayan visto la serie lo notarán enseguida, con grandes semejanzas como el pelo rojo del protagonista y su pasado como soldado en la guerra.
La película cuenta la historia de un niño, Kotarou, y su perro Tobimaru ambos perseguidos por una organización que necesita al chico para llevar a cabo un antiguo ritual. Mientras escapa encuentra un templo abandonado donde se encuentra un vagabundo, un ronnin (samurái sin amo), en el templo ambos son atacados por 2 guerreros que buscan al chico, pero el ronnin Nanashi, que significa sin nombre, acaba con uno de ellos y escapan del lugar. Acto seguido Kotarou le pide que sea su guardaespaldas, Nanashi se niega en un principio pero la insistencia del chico hace que finalmente acepte acompañarlo al templo a donde se dirige para estar a salvo.
Durante el camino Nanashi coge cariño a Kotarou, mientra se bañan en un río, el chico ve como se tinta el pelo al tenerlo pelirrojo, ya que él renunció a su pasado como guerrero. Durante la película tienen lugar una serie de flashback sobre la última batalla en la que lucho Nanashi, sin embargo este ya no quiere volver a luchar, a no ser que sea absolutamente necesario (como cuando defiende al chico en el templo), es bastante reacio a sacar su espada y prefiere evitar el conflicto.
En el camino al monasterio Nanashi se detiene en un pueblo a comprar provisiones, mientras vuelve con Kotarou tiene un encuentro con el líder de los guerreros que buscan al chico, Rarou, este personaje representa al guerrero que busca un gran adversario ya que casi nadie puede igualar su habilidad, cuando ve la espada que porta Nanashi se baja del caballo y le reta a luchar, pero este no desenfunda su espada y no intenta luchar contra él pese a las provocaciones y ataques, un preludio de los protagonistas que lucharán en la ultima batalla.
Al final me quedo con la belleza del dibujo en los escenarios, la animación es excelente y puede que por eso el contraste de los paisajes fijos con la rápida acción resalte la composición, que para mi es el punto fuerte de la película y por lo que he decidido hacer una entrada.
Una historia clásica del héroe que redime su pasado sangriento salvando la vida de un niño inocente, por último, os recomiendo verla y no os lo puedo poner más fácil porque aquí la tenéis completa en Youtube.
En la última entrada os prometí una nueva sección, y aquí está. Como su propio nombre indica, en Ciclos, os traeré grupos de películas (intentaré que sean de tres en tres) relacionadas con un mismo tema. Sabed que, antes de escribir nada, mi intención es verme las tres películas de las que hable del tirón para comprobar si es un ciclo infumable o de verdad se puede ver. Esta sección la tengo pensada desde hace tiempo, por lo que ya tenía varios ciclos en mente y, obviamente, este no era uno de ellos. Pero todos sabemos cual ha sido la noticia del verano: Ben Affleck será Batman. Y si queréis saber mi opinión, yo estoy contento con esta decisión. A mí Affleck sí me gusta como actor, y me encaja perfectamente bajo la capucha del Señor de la Noche. Pero bueno, esto son cosas mías. Lo que hoy os traigo aquí son tres películas protagonizadas por el futuro Caballero Oscuroy que guardan una relación, de un modo u otro, con el mundo del cómic.
1. Hollywoodland (Allen Coulter, 2006)
Tenía pensado, ya desde hace tiempo, poner esta en la sección de Películas, pero ya la traigo aquí y me la quito de encima. Allen Coulter, un director ya curtido en series de televisión de la talla de Los Soprano o Sexo en Nueva York, es quien realiza esta auténtica película de cine negro. El detective Louis Simo (Adrien Brody) investiga la muerte, aparentemente por suicidio, del actor George Reeves (el señor Affleck), actor que se hizo ultrafamoso al interpretar a Superman en la serie de T.V. de los 50. Por lo tanto, se nos cuenta la historia de Reeves a través de flashbacks, a la vez que Louis Simo investiga sobre su vida. Una estructura narrativa que a mi modo de ver le da bastante dinamismo al film. Los dos puntos fuertes para mí son por un lado la puesta en escena, muy detallista e increíblemente realista; y las interpretaciones, especialmente, y le pese a quien le pese, Affleck está estupendo. Pero es que además tenemos actores de la talla de Bob Hoskins o la gran Diane Lane. Una película totalmente recomendable en la que vemos lo que puede llegar a pesar la capa del Boy Scout Azul. Idónea para empezar este pequeño ciclo.
2. Daredevil (Mark Steven Johnson, 2003)
No me miréis así, es una peli de superhéroes y está protagonizada por Ben Affleck, por lo que tenía que entrar en el ciclo sí o sí. Además no es tan mala. Es decir, es mala pero no tanto. Yo recuerdo que de niño me flipó bastante. Luego la volví a ver pasados los años y con una mirada súper crítica y eché pestes de ella. Pero el caso es que el año pasado la volví a ver y me pareció entretenidilla. Es más, la he visto recientemente dos veces más para esto y corroboro que no es tan mala como la gente dice que es. Vale, el guión es penoso y hay momentos como el de la pelea con Elektra en el parque que son incomprensibles, pero yo qué sé, al menos los malos molan. El Kingpin negro de Clarke Duncan está bastante bien y el Bullseye histriónico de Colin Farrell no canta demasiado. Y Ben Affleck no lo hace tan mal teniendo en cuenta que su personaje es una mierda. Además, ese tufillo videoclipero de principios de los 2000 tiene cierto encanto.
3. Persiguiendo a Amy (Kevin Smith, 1997)
Y acabamos el ciclo con el gran Kevin Smith, director friki donde los haya. En esta ocasión Ben Affleck da vida a Holden McNeil, un dibujante de cómics que queda perdidamente enamorado de Alyssa Jones (Joey Lauren Adams), otra ilustradora del medio que resulta ser lesbiana. El film es una sucesión de planos larguísimos en los que se desarrollan unos diálogos geniales en los que se reflexiona sobre el amor y el sexo. Además tenemos al bueno de Jason Lee como entintador y mejor amigo de McNeil, amén de la inevitable aparición de Jay y Bob el Silencioso. Muy pero que muy recomendable.
Bueno, esto es todo por hoy. Ahora toca esperar a ver qué tal es el Batman de Affleck, pero quién sabe, quizás sea la puerta para que acabe dirigiendo la futura franquicia del Cruzado de la Capa o incluso una Liga de la Justicia. Puede que este no sea el ciclo idóneo para empezar, pero es el que me apetecía hacer.
Después de tanto tiempo y desde la lejanía he decidido volver a escribir. La película de hoy ya la habréis visto la mayoría, pero es que joder, es una peli que te toca el corazoncito, y en estos momentos necesitaba algo así. El estudio Ghibli realizó el film al mismo tiempo que Mi vecino Totoro, y de hecho se estrenaron al mismo tiempo. Pero mientras que esta última es, como toda la obra de Miyazaki, un desborde de fantasía e imaginación, el film de Takahata se trata de un ejercicio de realismo y crudeza pocas veces visto en la animación hasta ese entonces. Desde luego esto no es una película para niños.
Nos situamos en el Japón de la Segunda Guerra Mundial, donde los bombardeos por parte de los americanos a la población civil estaban a la orden del día. Seita y Setsuko son dos niños que, tras la muerte de su madre, se van a vivir con su tía. La comida escasea, por lo que cuando llegan con la reserva de comida que su madre había almacenado son bien recibidos. Sin embargo, con el tiempo y debido a las presiones de su tía, acabarán marchándose de su casa para vivir totalmente en la indigencia.
Lo que se nos muestra principalmente es la relación entre estos dos hermanos y cómo Seita, a su temprana edad, se ve obligado a cuidar a su hermana pequeña, intentando protegerla de todo lo que ocurre a su alrededor. Para mí, una de las cosas más duras es ver como, en tiempos tan difíciles como estos, cada uno se preocupa por sí mismo y mira para otro lado ante las miserias de los demás.
Toda la película transmite un profundo sentimiento de tristeza al cual colabora la banda sonora de Yoshio Mamiya, que es maravillosa, algo sobria pero que encaja perfectamente con el tono del film.
La tumba de las luciérnagas es una película dura, con la que te emocionas y sacas más de una lagrimilla. Gracias a Dios Takahata nos da un respiro de vez en cuando con pequeños momentos de felicidad, por que creo que si no más de uno acabaría cortándose las venas.
Bueno, esto es todo por hoy. Esta entrada ha sido rápida y ha salido un poco peor debido supongo a la falta de práctica, pero eso es algo que intentaré solucionar. Espero que los cuatro que seguís el blog estéis atentos, ya que se acercan novedades. Y con novedades me refiero a una nueva sección. Hype al máximo. También espero que mi compañero deje de tocarse los huevos y nos vuelva a deleitar con sus pelis de chinos y hostias.
Y sin más os dejo con la genial escena que da inicio al film. Está incompleta, pero es lo mejor que he encontrado en Youtube.
Hoy, después de tantísimo tiempo, os traigo la secuencia inicial de la grandísima peli de Cuerda Así en el cielo como en la tierra. Aquí vemos como el personaje de Luis Ciges llega al cielo tras pillarle el Apocalipsis mientras estaba borracho. Como es natural, en la entrada del pueblo se encuentra San Pedro, Francisco Rabal, quien ha de interrogar al recién llegado. Un dialogo genial que ya nos muestra el tono humorístico de todo el film.
Hola chavalada ^^, hoy os traigo "Ip Man: El maestro de Bruce Lee" película que esta dentro del género de Artes Marciales. Que yo se que os metéis al blog por estas entradas y no por las del luisete. Una de las últimas perlas del cine honkones, viene de la mano del director Wilson Yip y el guionista Edmond Wong.
Protagonizada por Donnie Yen, que da vida a IpMan, el famoso maestro de Bruce Lee, cuyo estilo es el Wing Chun, una de las artes perdidas del monasterio Shao lin. La característica principal es que es un arte marcial creado por una mujer.
La película cuenta la historia de Ipman y se desarrolla en Fo San antes y durante la guerra chino-nipona, anterior a la 2º guerra mundial.
En la primera parte de la película se presenta a la ciudad de Fo San, ciudad famosa por sus numerosas escuelas de Kung Fu. El más destacado maestro de la ciudad es Ipman. La película comienza con la visita del maestro Liu a su casa para pedirle un encuentro de práctica al haber abierto una escuela de artes marciales en la ciudad recientemente.
Ipman vence contundentemente, es el maestro más respetado y reconocido como el más el fuerte de la ciudad. Más adelante un grupo de guerreros del norte llega a la ciudad para desafiar a las escuelas de Fo Sang y demostrar que son más fuertes. Este grupo reta uno a uno a los maestros de la ciudad, aquí tenéis la escena.
Estos intrusos vencen a los maestros pero la gente no los reconoce como los más fuertes porque no han vencido al mejor: Ipman. Este hecho enfada al líder, interpretado por Siu-Wong Fan, y van en busca de Ipman para desafiarle a un duelo.
Cuando irrumpen en su casa Ipman no esta dispuesto a luchar con ellos, ya que su esposa se lo tiene prohibido, pero los bandidos se ríen de él y esta se enfada, le da permiso con la frase "no rompas muchas cosas", comienza el duelo:
La segunda parte de la película narra la invasión de China por parte de Japón antes de la 2º Guerra Mundial. Cuando Fo San es invadida el maestro Ip pierde su casa y todos sus bienes a manos de los japoneses y se ve obligado a vender los pocos artículos que tiene para conseguir comida. Cuando éstos se acaban trabaja en la mina de carbón.
Los japoneses van a las minas regularmente en busca de luchadores chinos para que se enfrenten a sus soldados a cambio de un saco de arroz por enemigo derrotado, uno de los compañeros de trabajo de Ipman decide ir pero al enfrentarse al general japones es apaleado hasta la muerte, Ipman decide ir al cabo de unos días para averiguar que le ha pasado pero mientras espera su turno presencia un combate de su amigo el maestro Liu contra 3 oponentes, pierde y cuando se dispone a coger el arroz del combate anterior es asesinado por uno de los soldados con un disparo por la espalda, esto enfurece a Ipman que clama venganza y decide luchar contra 10 oponentes al mismo tiempo, una de las mejores escenas de la película.
Tras la lucha Ipman atrae la atención del general japones, que quiere volver a verlo en combate. Pero Ipman no tiene esa intención y no se presenta a luchar. Los japoneses comienzan a buscarle para obligarle a combatir de nuevo pero se esconde con su familia hasta que se ve obligado a salir de su escondite. Los japoneses van a la fabrica de su amigo y casi acaban con él para saber donde esta el maestro. Ipman acaba entregándose, pero reta al general japones a un combate público y éste para defender su honor, acepta.
El general quiere que Ipman enseñe sus técnicas a los soldados japoneses, pero Ipman se niega rotundamente, su intención es acabar con él en el duelo para demostrar la fuerza del pueblo chino ante la opresión nipona.
Por último destacar la banda sonora, de la mano de Kenji Kawai, esta canción en particular me encanta.
Ya falta poco para el estreno de Before Midnight, la última parte de la trilogía que comenzó en 1995 con Antes del amanecer, y por ello os traigo este momento musical de la segunda parte. Aquí vemos a la adorable Julie Delpi tocando y cantando una canción para Ethan Hawke. No será la última escena que ponga de esta saga antes del estreno de la nueva película, os lo aseguro.
Hola mi gente vuelvo por mis fueros, pese a las amenazas de Luis para que haga entradas de otro género (soy un rebelde), aquí os traigo una de las mejores escenas que se han hecho últimamente en el cine de artes marciales, pertenece a "Ipman 2", en esta ocasión el maestro Ipman deberá pasar una prueba para poder ejercer como maestro de artes marciales en Hong-Kong el lugar donde empieza su nueva vida.
En esta escena Donnie Yen que interpreta a Ipman, tiene que aguantar encima de la mesa las pruebas de los diferentes maestros que lo reten antes de que se acabe el tiempo (que se consuma el incienso). Como mayor rival esta el maestro Hang Jan-Nam interpretado por Sammo Hung, uno de las grandes estrellas del cine chino de artes marciales clásico, que además trabaja como director de coreografías de acción en la primera película de Ipman y también en esta.
La escena tiene un buen equilibrio entre coreografía y efectos especiales, espero que os guste esta nueva forma de elaborar combates.
Espero que os guste, lástima la calidad del video ^^ recomiendo ver la pelicula
Muchos sabréis que mi pequeña debilidad son las pelis de superhéroes y que me trago cualquier basura que tenga que ver con el género. Pero para mi esta no es una más, ya que se trata de una de esas películas que de pequeño tenía grabadas en un VHS y que veía una y otra vez. La cosa es que cuando vi está película de adulto me encontré con un film muy distinto al que recordaba. Pero empecemos por el principio.
La película de Batman fue sin duda el fenómeno cinematográfico del año 1989. En Estados Unidos los fans llamaban a los cines para saber con qué pase proyectarían el trailer y pagaban la entrada sólo para verlo. Cada noticia relacionada con la producción salía en la portada de los periódicos más prestigiosos del país (incluidos los especializados en economía). La gente rompía el cristal de las paradas de autobús para llevarse los carteles publicitarios y se hicieron días de cola en muchos cines de Los Angeles para asistir al estreno. Se trató de la primera película que superó los cien millones de dólares en los primeros diez días e impulsó definitivamente la carrera de su director, Tim Burton. Pero... ¿cuál fue la clave de su éxito? Sin duda la inclusión de una gran estrella como Jack Nicholson ayudó, pero lo que de verdad marcó la diferencia fue lo novedoso de la puesta en escena. Tanto la serie como la película que se hicieron en los sesenta tenían un tono casi de burla a los cómics originales, sin embargo, se hicieron tan populares que ese tono se contagió a los propios cómics. Entonces llegó Frank Miller con El regreso del Caballero Oscuro y lo cambió todo presentando al Batman más oscuro que se había visto jamás. Ya antes de esto, el productor de cine Michael Uslan estaba decidido a hacer una película que recuperase el tono de las historietas originales, y el éxito de la obra de Miller fue lo que necesitó para convencer a la Warner. Para obtener ese tono oscuro y siniestro se pensó rápidamente en el director novel Tim Burton, y la elección no pudo ser más acertada.
Todos sabemos los orígenes del justiciero, por lo que eso es algo que Burton se salta, mencionándolo ya pasada la mitad de la película y comenzando directamente con Batman en una escena de acción. Jack Napier es un mafioso que, tras caer en una emboscada de la policía propiciada por el mismo jefe de la mafia, se ve precipitado a un tanque de ácido debido a la intervención de Batman. La desfiguración de su cara que el accidente conlleva hará que su locura latente sea liberada, transformándose en el Joker. Su primer acto será matar su antiguo jefe apoderarse de sus negocios, para después introducir una serie de productos químicos mortales en productos de belleza que se distribuyen por toda Gotham. ¿Qué intenta conseguir con esto el Joker? Nada, se trata de un villano sin objetivo, es el caos por el caos. En realidad sí tiene un objetivo, matar a Batman, pero básicamente por que le quita protagonismo de cara a los medios (la importancia de los Mass Media es otro tema destacable). A todo esto tenemos a Bruce Wayne/Batman, que tendrá que impedir los malvados planes del Joker y que iniciará una relación con la periodista Vicki Vale. Entonces respecto a los temas tenemos los típicos: el amor, el sentido de la justicia, la búsqueda del bien, etc. Pero hay uno que resalta especialmente y que en mi opinión está muy bien llevado: la locura. Además se trata de una locura con una doble vertiente. Por un lado se muestra de forma muy clara, de hecho casi escandalosa, en la figura del Joker. Sin embargo es indudable que también está presente, aunque de una forma mucho más sutil, en la figura del propio Batman, y quizás sea por esto por lo que llame más la atención. Para empezar tenemos a un Bruce Wayne que parece no encontrarse cómodo en ninguna situación (en este sentido Michael Keaton lo hace genial) que no sea enfundado en el traje de justiciero o sentado en el superordenador de la batcueva. Esto es algo que se ha dicho muchas veces pero que es verdad: en realidad Bruce Wayne es el disfraz de Batman. Wayne no existe, sólo Batman. O mejor dicho, Bruce murió el mismo día en que murieron sus padres, en el preciso momento en que nació Batman. Pero para que esta personalidad exista es necesario un mal contra el que luchar que la justifique, y es aquí donde comienza su obsesión con la lucha contra el crimen. En ese sentido la existencia de una figura que represente el mal en sí mismo, el Joker, le viene que ni pintado a la psique del personaje. Esto es algo que si bien Burton no lo explica claramente, para mi es indudable que lo deja ver entre lineas. De hecho va un paso más allá cuando nos enseña un recuerdo de Wayne en el que el Joker es el asesino de sus padres. Sin duda es lo que nos muestra, ¿Pero es lo qué quiere decir? Para mi es una manera más de entrar en la locura del personaje. Primero vemos como su obsesión por el Joker aumenta, hasta que inmediatamente después de mantener una conversación con él, llega a la batcueva y se pone ha estudiar otra vez el caso de sus padres. Es entonces cuando se nos muestra, a través de una escena casi de pesadilla, que el Joker es el asesino de sus padres. Para mi está clarísimo que es el propio Wayne quien introduce la figura de su enemigo en sus recuerdos. Ahora tenemos una figura que, no sólo es el mal en sí mismo, sino que es el responsable de que él sea lo que es. Ahora ya todo cobra sentido en su cabeza, la venganza (otro tema de la película) ya no es que esté justificada, sino que es necesaria.
Por otro lado tenemos a Vicki Vale, que representa precisamente la alternativa a la locura. Ella le hace ver a nuestro héroe que podría llevar una vida normal, y eso le aterra más que cualquier villano. Dejando a un lado la psicología de los personajes, otro elemento que contribuye a lograr este tono oscuro es sin duda lo increíblemente genial que está recreada Gotham. Se trata de unos escenarios amplísimos y que dan la sensación de que toda la ciudad se hubiese construido en los años cuarenta y de que se hubiese abandonado a las inclemencias del tiempo. Y por supuesto no hay que olvidar la ya mítica banda sonora de Danny Elfman. Por último destacar las grandísimas interpretaciones de los dos actores protagonistas. Contra todo pronostico Michael Keaton, que hasta este momento era un actor de comedia, resultó ser un Batman idóneo. Y qué decir de Jack Nicholson, que hace el Joker más excéntrico y loco que se ha hecho nunca, y lo clava. Kim Basinger no tiene un personaje muy profundo que digamos, pero está tan guapa como siempre y con eso me vale. Si os habéis tragado este tochaco estaréis pensando que sí que me lo he currado esta vez, que he escrito más que nunca. Ilusos, la mayor parte de esto es un corta-pega de un trabajo que hice para la universidad. Aún así os recomiendo fervientemente que la veáis si no lo habéis hecho ya, que merece muchísimo la pena. Por cierto, como he dicho al principio las pelis de superhéroes son mi debilidad, así que está no será la última que aparezca en el blog.
Volvemos después de un tiempo, por discrepancias con el señor Luis sobre mi sueldo (inexistente, ni agua del grifo vamos), pero aquí estoy y os traigo una escena de "Fearless", la pelea final de la película, que se yo que echabais de menos mis entradas sobre pelis de chinos, bribones.
Jet Li interpreta a Hua Yuan Jia, el maestro de artes marciales chino que funda la federación deportiva china para unir a los diferentes estilos de Kung-Fu como símbolo para la unificación de China. La escena tiene lugar en un torneo organizado por los gobiernos Inglés, Estadounidense y Japonés para vencer a Hua Yuan y eliminar las esperanzas del pueblo chino en su propia fuerza. La batalla final se da contra el representante de Japón Tanaka, interpretado por Shido Nakamura, un guerrero samurái que procesa un gran respeto por Hua Yuan Jia y su visión sobre las artes marciales.
Durante el combate con armas, los japoneses consiguen cambiar el Té de Hua Yuan por otro envenenado, en la pelea cuerpo a cuerpo para el desempate los efectos del veneno aparecen, pero Hua ya sabe que es tarde para remediarlo y prosigue con el combate hasta el final.
Ray Bradbury solía decir que en sus obras no pretendía hacer predicciones, sino avisos. En 1953 escribió la novela de ciencia ficción Fahrenheit 451, la cual transcurría en una futura sociedad totalitaria en la que está prohibida la literatura. Se trata esta de una sociedad fácilmente manipulable e idiotizada por ese monstruo que puede ser la televisión. Pues bien, en el 66 Truffaut realizó una adaptación a la gran pantalla que sin bien no era fiel al 100% a la novela sí que trasmitía a la perfección el mensaje de Bradbury. Guy Montag (Oskar Wegner) es un bombero encargado de localizar y quemar libros. Tiene una vida fácil, un trabajo que le gusta y una bella esposa. Sin embargo su mundo da un giro de 180 grados cuando conoce a Clarisse (Julie Christie), una hermosa joven que le hace replantearse todo su mundo.
Esta película es una de esas que merece la pena verla varias veces sólo para fijarse en todos los detalles que contiene. Nada más empezar le película ya vemos que los títulos de crédito, en vez de aparecer en pantalla, son leídos por una voz en off, introduciéndonos así en un mundo en el que la palabra escrita está vetada. La violencia de la imagen (término que os sonará a muchos) sale perfectamente representada en la película, sobre todo en las escenas en las que aparece la mujer de Montag. En cuanto a esta, es destacable el hecho de que está interpretada también por Julie Christie, quien interpreta a dos personajes representando así las dos caras del individuo.
En cuanto a la banda sonora, se trata de Bernard Herrmann, lo que siempre es garantía de calidad y esta vez no iba a ser menos.
Esta reseña va a ser corta, así que en resumen: vedla, y varias veces. Esta llena de detalles y refleja muy bien la sociedad que creó Bradbury, y a pesar de algunas sesentadas la película aguanta bastante bien el paso del tiempo. Pero sobre todo es un film que te hace pensar, preguntarte a dónde nos dirigimos y si es esto lo que nos espera, pues no vamos muy desencaminados. Eso sí, el final es de los más bonitos y esperanzadores que he visto en el cine.
Hoy os traigo una de las escenas más famosas del cine de artes marciales, la pelea entre Chuck Norris y Bruce Lee, dos mitos del género.
La escena pertenece a "Return of the Dragon" o "El Furor del Dragón" cuya dirección es del propio Bruce Lee.
Lee interpreta a Tang Lung que llega a roma para ayudar a una amiga de la familia, Cheng Ching Hua (Nora Miao), la cual tiene problemas con unos matones que la presionan para cerrar el restaurante, a lo largo de la película Tang se enfrenta a ellos y los vence, pero el jefe de la banda llama a un luchador profesional (Chuck Norris) para librarse de Tang.
La pelea tiene lugar en el coliseo romano, un gran escenario para una pelea muy recordada (pese a que el decorado es bastante cutre), se enfrentan 2 de los grandes mitos del cine de acción de los 70-80.
La pelea esta montada con planos medios y subjetivos de los protagonistas, además utiliza las tomas de un gato que presencia la pelea, utiliza este animal para que se vea la evolución de la pelea desde el punto de vista de Tang, ya que al principio se le ve bufado y nervioso pero acaba jugando con una piedra como Lee con un apaleado Chuck Norris, que acaba siendo derrotado.
No sé por qué pero últimamente me ha dado la vena romántica, por lo que me he puesto a revisionar películas de este género y me he acordado de Robin y Marian, en mi opinión una de las películas más románticas de la historia. La leyenda de Robin Hood es algo que el cine se ha encargado de contarnos una y otra vez a lo largo de toda su historia, nos la sabemos todos de memoria. ¿Pero qué pasa después? ¿Qué hay después del mito? Eso es precisamente lo que nos cuenta aquí Richard Lester, director que nos sonará por ¡Qué noche la de aquel día! y por Superman II y III.
Tras la muerte de un algo enloquecido Ricardo Corazón de León, Robin y su fiel Little John vuelven a Inglaterra después de haber perdido muchos años combatiendo en las cruzadas. Obviamente, lo primero que hace Robin al llegar al Bosque de Sherwood es preguntar por su amada Marian, quien resulta que se ha metido a monja. Cuando Robin va a su abadía, se encuentra con que la quieren echar de Inglaterra por ejercer la religión católica, lo que lo enfrentará de nuevo con el sheriff de Nothiingam y con el rey Juan.
Pero lo que veremos en la película es un Robin cincuentón, desencantado por toda la muerte que ha visto en las cruzadas y que, desde luego, ya no es el que era por mucho que él se empeñe en afirmar lo contrario. Lo que antes eran batallas épicas y combates magistrales ahora se tornan patéticos, torpes y ridículos. Tan solo su amor por Marian permanece invariable, una Marian que, tras un intento de suicidio, entregó su vida a Dios, madurando y pasando página. O eso creía ella.
Uno de los grandes aciertos del film es ese tono de humor tan agrio con el que está contado. Todo es tan patético que no puedes sino soltar una leve sonrisa. De esta forma, en el combate final veremos un torpe duelo a espada entre dos hombres ya cascados que al medio minuto están que no pueden más, así como a cuatro campesinos maltrechos huyendo de un grupo de soldados.
Aun con todo, esta película sería imposible sin sus dos actores protagonistas, Sean Connery y Audrey Hepburn, los cuales tienen una química espectacular. El resto del reparto es también muy destacable, en especial Robert Shaw, Richard Harris, Denholm Elliott y Nicol Williamson.
Mención aparte merece la maravillosa banda sonora del genial John Barry, fallecido en 2011 y que es conocido sobre todo por las bandas sonoras de las pelis de Bond, pero que también ha hecho otras obras maestras como la música de Memorias de África.
Por último, decir que tiene uno de los finales más bonitos y románticos que he visto, y que no desvelaré por si queda algún insensato que todavía no la ha visto. Pero que sepáis que he tenido la tentación de poner el video. Aunque puede que un día de estos lo meta en la sección de escenas, de momento me contentaré con poner el trailer.
Estamos de vuelta después de los exámenes ^^, se que echabais de menos mis entradas sobre películas buenas y respetables, no al nivel de mi amigo y Jefe, Don Luis, a sus pies y a los de su señora.
Hoy os traigo una de las escenas más famosas de Bruce Lee, pertenece a su segunda película en Hong-kong "Fist of Fury" o "Furia Oriental".
La película está dirigida por Lo Wei. Como ya dije en la entrada sobre "The Boss", su relación no era muy buena y ésta es la última película que rodarían juntos. Ya expliqué que a Bruce no le gustaba montar las escenas de pelea con cortes y montaje, sino que prefería coreografías y planos largos.
Lee llega al dojo japones para vengar la muerte de su maestro. Los japoneses se presentan en su funeral e insultan su nombre y el de los chinos, llamándoles "los enfermos de Asia", además ellos son los principales sospechosos de su envenenamiento.
Lee vuelve para el funeral pero al presenciar esta escena no puede reprimir sus deseos de venganza e ignorando las ordenes de los miembros de su escuela se dirige al dojo japones para enfrentarse a ellos.
Es una de las escenas más recordadas debido a la toma en la cual los japoneses le rodean. Vemos a Bruce desde arriba, con un plano picado en el que da la sensación de que empieza un baile, además es la primera vez que Bruce Lee utiliza los Nunchakus en la gran pantalla. Para mí es una de las escenas más importantes de su carrera cinematográfica y de las más recordadas.
"Nobody, not even the rain, has such small hands". ¿No os parece una de las frases más bonitas que habéis escuchado nunca? Se trata del final de un poema de e.e. cummings, y Woody Allen la utiliza para nombrar esta genial secuencia. Elliot (Michael Caine) está secretamente enamorado de la hermana de su mujer. Con la intención de pasar un rato con ella, cuando se cruzan "por casualidad" le dice que está buscando una librería. Ella le lleva a una fantástica, y entonces él le regala un libro de poemas de Cummings, recomendándole este en concreto.
