La escena de hoy pertenece a la película "28 semanas después" del director Juan Carlos Fresnadillo recogiendo el testigo de Danny Boyle, el cual forma parte de equipo de producción de esta segunda parte.
Este trabajo es la secuela de "28 días después", englobadas ambas dentro de una supuesta trilogía en donde se mantiene en el aire la realización de "28 meses después".
La película se podría englobar dentro del género de terror zombie con la variante de la existencia de un virus de la rabia que desata una infección generalizada, volviéndolos rápidos y agresivos. Este género, excesivamente explotado, se expone a un presupuesto escueto, ya que "28 días después" contó con un presupuesto de 5 millones de dólares recaudando alrededor de 83 millones, repitiéndose la hazaña 5 años después con "28 semanas después". Ahí reside la importancia, dentro del género, de estas películas ya que logran crear sensación en el espectador de estar viendo algo nuevo dentro de lo sumamente repetitivo, ya sea debido al trabajo técnico, a la creación de ambientes que conlleven acontecimientos inesperados para el espectador o a una excelente banda sonora que acentúa, aún más, el clima que viven los personajes trasladando sus inquietudes a los partícipes de la historia. Además, del mérito que conlleva realizar un proyecto que nada tiene que envidiar a superproducciones con grandes presupuestos.
En concreto he querido reseñar esta escena, ya que relaciona las tres características que he mencionado anteriormente. Don (Robert Carlyle, actor al que ofreció el papel de comandante en la primera entrega Danny Boyle) se encuentra con su mujer, Alice (Catherine McCormack), en una casa de refugiados anti-infectados con más personas. Existe una conversación en la que Don habla con su mujer diciéndole lo mucho que la quiere y que va a estar con ella pase lo que pase. Al cabo de un rato, un niño pide ayuda y le dejan entrar dando lugar a que los infectados entren en la casa. Después de una persecución por la casa, Don consigue escapar dejando a su mujer y al niño a merced de los infectados.
Mediante planos generales, subjetivos y travelling sumado al reconocible tema principal de la banda sonora nos sumerge en una situación de angustia y estrés.
Este es el único vídeo que he podido encontrar de la escena. Mis disculpas porque el audio y vídeo son una castañica ^-^.
Hoy os traigo una escena de una película bastante reciente, una obra de Peter Chan en "honor" al género Wu Xia, y por eso el título, que para el que no lo sepa es el género de historias de caballeros y princesas tradicionales, en la cultura china. Y además de donde salen gran parte de películas que os traigo ^-^.
Para empezar, vuelvo con Donnie Yen, el actor que ahora mismo esta haciendo más trabajos y con más calidad. El tiempo no perdona, tanto Jet Li como Jackie Chan están en horas bajas, sin duda es el actor de moda.
Pero vayamos a la escena, para poneros en situación Donnie es Tang Long, un campesino que esconde un secreto, segundo comandante e hijo del líder de los "72 demonios", un grupo de criminales y asesinos. Dentro del mismo era respetado por su nivel de Kung Fu y su falta de piedad, sin embargo un día se harta de ese mundo después de una misión, lo hace que huya en busca de una vida tranquila.
Bajo el nombre de Liu Jin-xi, tiene una vida tranquila en una aldea y una esposa que le da la vida que quiere, pero un incidente con unos bandidos trae a un investigador que descubre su verdadera identidad y así su antiguo clan se entera de su paradero. Le buscaran para castigarle por su traición.
En esta escena en cuestión 2 miembros llegan al pueblo durante un entierro, le acusan de ser Liu pero al negar su identidad constantemente y dejarse golpear por ellos deciden atacar a la gente de su aldea, lo que hace reaccionar a nuestro protagonista.
La película en general tiene un equilibrio bastante bueno, le pondría un sobresaliente, entre coreografía, técnicas de cables y post-producción. Teniendo en cuenta que es una historia "Wu Xia" las peleas son bastante espectaculares.
En esta, mi segunda entrada en el "Blog en 35mm" tengo que hacer una mención especial para el hombre que me propuso colaborar en este blog, el gran Perico, o Perichi, o fichicas o SusoPeri, al que el lunes podré volver a decir la frase que, esta vez con razón, le digo todas las mañanas: "¡Cuanto tiempo Perico!" ;)
Tras este inciso paso a analizar una película que vi por primera vez hace ya bastantes años, allá por el 2009 y que me dejó bastante asombrado. Esta película no es otra que "La Ola", película alemana dirigida por Dennis Gansel.
La película comienza cuando se proponen unas actividades para realizar en la semana del instituto, y se le asigna al profesor Rainer Wenger impartir un curso sobre los sistemas autoritarios. Tras preguntarle a sus alumnos si creen que se podría dar otra vez un estado como el que se dio en el Nazismo, al nombrado profesor no se le ocurre una mejor idea que crear un movimiento para mostrar a sus alumnos que no sólo podría volverse a dar, sino que sería una cosa bastante sencilla si se saben tocar los palos adecuados. Y claro, como no podía ser de otra forma, el experimento acaba de manera trágica.
Dejando de lado el argumento, que bajo mi punto de vista es bastante interesante, hay algunos puntos de la película que me gustaría tratar. El primero es la facilidad con la que los miembros de "La Ola" crean un sentimiento de grupo con sólo vestir de un mismo modo, llegando a excluir e incluso expulsar de la clase a aquellos que no quieren vestir con la camiseta blanca.
El segundo punto del que me gustaría hablar es de como las personas mas "débiles" mentalmente hablando son las que más implicación tienen en el movimiento, y con personas "débiles" me refiero a personas que tienen problemas sociales o familiares, ya sean exclusión social, falta de afecto familiar etc. Estas personas se aferran al movimiento, ya que por primera vez se sienten parte de algo y son tenidos en cuenta en una actividad.
Otro hecho curioso es la facilidad con la que un movimiento de este tipo es capaz de radicalizarse y llegar a usar la violencia o incluso, en casos extremos, las armas de fuego para defender al grupo.
Por último pero no menos importante me llamó bastante la atención como son los propios componentes de "La Ola" los que se crean enemigos externos y van forjando automáticamente una ideología claramente fascista, hecho normal y natural en los movimientos autoritarios.
Para terminar me gustaría resaltar que esta película está basada en hechos reales, y que por mucho que nosotros seguramente respondiéramos con un rotundo NO a la pregunta de si se podría dar otra vez un estado Nazi, muy posiblemente acabaríamos sorprendidos de lo que una persona con las ideas claras y unas grandes dotes de mando y de liderazgo sería capaz de conseguir en la sociedad actual, con gente que lo ha perdido todo, que se siente sola y sin nadie que les defienda... Pero eso es otra historia y otro debate que poco o nada tiene que ver con el cine.
En mi última entrada os dije que este film tiene algunos de los diálogos más brillantes de la historia del cine, y si este fragmento no os convence de ello nada lo hará.
¿Se puede decir más en menos tempo? Sólo con esta escena ya conocemos perfectamente a los dos personajes protagonistas: sus actitudes, ambiciones, debilidades, su pasado... y, sobre todo, lo mucho que aún se aman. Pero lo mejor es que de verdad te lo crees, no te lo dicen y tú lo aceptas sin más, es que de verdad lo sientes, y es ahí donde en realidad radica la grandeza del cine: la mezcla perfecta de distintos artes (música, fotografía, escritura...) que logra transmitir unas sensaciones impensables de cualquier otra forma.
-¿A cuántos hombres has olvidado?
-A tantos como mujeres tú recuerdas.
Maravilloso, como cada palabra de este diálogo. Creo que ya os habéis dado cuenta del amor que siento por esta película (en parte debido precisamente a esta escena) y que espero que tras estas dos entradas compartáis aunque sea un poquito.
Otra cosa, estad atentos que se acercan novedades de las gordas.
Como principiante tengo que dar las gracias a Luis, ante todo, por llevar a cabo este proyecto que nos hará ricos, además de permitirme participar en el mejor blog cinéfilo que existe. También, a Perico, personaje cuanto menos asombroso y enigmático, por guiarme en este viaje lleno de peligros y acontecimientos que cambiarán mi vida y la de mis compañeros editores.
Obligadas, y no queridas, son mis palabras...
Como primera entrada he decidido escoger la escena de "El Gran Lebowski" dónde aparece Jesús Quintana, interpretado por John Turturro, jugando a los bolos.
La escena combina la canción "Hotel California" de los Eagles, versionada por los Gipsy Kings, con la soberbia actuación de John Turturro, al que no le hace falta decir nada para obtener una sonrisa del espectador. Esto último forma parte de la base de la mayoría de las películas de los hermanos Cohen. Existen ejemplos como "Quemar después de leer", "Fargo", "Los hombres que miraban fijamente a las cabras" en las que los personajes se encuentran especialmente marcados por una personalidad única y extraña.
Jesús Quintana tiene un cierto punto de desequilibrio mental que le sirve para ser el mejor jugando a los bolos. Un genio que acentúa su actuación marcándose un baile y mandándole un beso a sus rivales, mientras la cámara realiza un travelling mostrándo la expresión facial de Jeff Bridges, John Goodman y Steve Buscemi.
Como consecuencia, el resultado es una de las mejores escenas de humor atípico, que hace las delicias de los más cinéfilos.
¡Buenas gente! Nuevo ciclo y nuevo género ^-^. Comedia esta vez, porque en este blog no siempre voy a poner chinos dándose puñetazos... sólo el 80% de las entradas... Bueno, primero felicitar a uno de los nuevos miembros, fichaje realizado por mí, el señor Vîllä (lo de los acentos se le va de las manos al chiquillo) por su entrada sobre "Noviembre" de Achero Mañas http://blogen35mm.blogspot.com.es/2014/04/noviembre-achero-manas-2003.html que esta muy bien y ya la veré.
Bud Spencer (Carlo Pedersoli) y Terence Hill (Mario Girotti), un dúo que nos hace recordar tiempos pasados, son parte importante de las décadas de los setenta y ochenta. Aunque fue a finales de los 60 y principios de los 70 cuando esta pareja es conocida a nivel mundial a través de sus westerns. Las aventuras de estos 2 nos acompañaron hasta mediados de los 80 cuando empezaron a perder éxito. Aunque ambos trabajaron por separado, sus mejores trabajos son en los que compartieron pantalla, convirtiéndose en una pareja mítica.
1. Saga "Le llamaban Trinidad"
Primero la saga con "Le llamaban Trinidad"(1970) y "Le seguían llamando trinidad"(1971). Unas comedias de Spaghetti western, aunque en vez de balas aquí se usan más las manos. Situaciones cómicas que tendrán como protagonistas a dos hermanos, cuatreros y bandidos.
En la primera de las películas Terence es Trinidad, un famoso pistolero, y Bud interpreta a su hermano mayor El Niño, que se está haciendo pasar por el nuevo sheriff en un pueblecito. Cuando Trinidad se presenta en el pueblo empieza a tener problemas con los hombres del alcalde que además ya tiene problemas con su hermano. Ambos se quedan en el pueblo como sheriff y ayudante respectivamente para sufrimiento del corrupto alcalde.
La segunda mantiene la linea, ambos van en busca de dinero fácil, como atracar una diligencia pero son una familia tan pobre que acaban dándole lo poco que tienen...Lo siguen intentando pero acaban envueltos como "Rangers" en una disputa con una banda de forajidos ayudando así a los habitantes de un pueblo. Básicamente es la historia de nuestro sonriente rubio haciendo de las suyas en el oeste acompañado del enorme y poco simpático de su hermano, ambos unos maleantes que se verán en la situación de ayudar a gente que lo necesita, eso si, con la intención de sacar tajada.
En definitiva muy recomendables si quieres pasar un buen rato y reírte, ahora os dejo la banda sonora, que me encanta ^-^.
2. Saga "Dos Superpolicías"
Seguimos con otra saga: "Dos Superpolicías"(1977) y "Dos Superpolicías en Miami"(1985). Terence es Matt Kirby un marinero que acaba de escapar de su barco ante la deuda con sus compañeros, Bud es Wilbur Walsh un desempleado que busca trabajo en el muelle, ambos tienen problemas con una pandilla de matones al preguntar por trabajo, les dan una lección por separado y juntos. Deciden atracar un supermercado para sacar un poco de pasta pero se equivocan de lugar y acaban en la comisaria alistándose para la academia. Sus métodos no son los adecuados pero su éxito evitara que les echen y se convertirán en una pareja de policías muy peculiar. El destino les llevara a investigar a la banda del muelle y sus trapicheos.
En la segunda entrega, no tan buena por falta de bofetones y puñetazos, ambos siguen la pista de un antiguo atraco, en el cual se robaron 20 millones de dolares, esta vez les ayudarán dos bonitas señoritas.
La trama avanza apoyada en la dualidad de los protagonistas, siempre contrapuestos, son tan diferentes que encajan a la perfección y así en la mayoría de sus filmografía. En esta en concreto están intentando aprovecharse de una situación para su beneficio pero acabarán por ser buenos policías por azar o destino.
Aquí os dejo una escena en la que se les ve repartir a diestro y siniestro:
3."Par- Impar"(1978)
Para terminar este volumen "Par- Impar"(1978).
Aquí vuelven a ser hermanos, por lo menos de parte de padre, Terence es Jhony Firpo un talentoso teniente de la marina y Bud es Charlie, ex-jugador de poker y ahora camionero.
El almirante de Jhony le declara la guerra al juego, y le manda en misión secreta para atrapar a Parapolis el Griego, antiguo jefe de Charlie.
Jhony intenta que Charlie le ayude a ganar dinero jugando al poker pero este se niega ya que no quiere volver a jugar. Con su insistencia consigue hacerle cambiar de parecer aunque sea con la mentira de que se va a quedar ciego y necesita una costosa operación. Charlie le enseña todos sus trucos y así consiguen acercarse a las partidas privadas de El Griego. Esta vez, ambos jugaran la partida.
Una de las escenas que más me gustan, con su estilo peculiar y golpes por doquier, es esta pelea fingida en el barco de Parapolis:
Esta es la primera de sus películas que vi, una mañana de domingo en casa de mi abuelo, en TVE, me hicieron pasar un buen rato e irme con una sonrisa en la cara, por eso seguí viendo sus películas e interesándome por estos dos pintas, la sonrisa me dura hasta hoy :).
Con esta película inicio mi participación en este blog creado por el grandísimo Don Luis, ser superior en lo relativo al cine y el jefe todopoderoso de todo esto. Siempre a sus pies Don Luis.
Después del típico peloteo al jefe (que es obligado en este blog) me dispongo a hablar de una película española que, para mi asombro, no es muy conocida por la gente; "Noviembre".
La película, narrada como un falso documental, relata las vivencias de un grupo de teatro un tanto inusual, ya que sus componentes deciden dejar la escuela de teatro para crear un grupo completamente independiente, que rechaza cualquier aportación económica ya que piensan que la única forma de conseguir cambiar cosas con el arte es no vendiéndose. Deciden crear shows creativos y excéntricos en cualquier lugar (la calle, el metro, las plazas...) con el objetivo de divertirse e intentar hacer que el público que los observe disfrute y se sienta viva, sin olvidarse de lanzar mensajes contra el mundo superficial y artificial en el que vivimos.
Una de las escenas que más llama mi atención en la película es la siguiente, en la que el profesor de teatro de Alfredo (Óscar Jaenada) le pregunta por qué ha elegido estudiar teatro y para qué sirve el teatro:
Al final de la escena el protagonista hace una reflexión muy interesante; el uso del arte para intentar cambiar las cosas a través de la comunicación con la gente. He de confesar que las películas que no se limitan simplemente a entretener me atraen instintivamente, y por películas que no se limitan a entretener me refiero a aquellas que no buscan solamente que el espectador se olvide del mundo una hora y media, sino que además tratan de conseguir que el espectador piense en un idea concreta, y esta película sin duda lo consigue. Si disponemos de armas con las que podemos intentar cambiar las cosas, ¿por qué no usarlas? Y no cabe duda de que el mundo del arte es un arma fascinante a la hora de remover conciencias.
Además de todo el tema "útopico", la película también trata de las relaciones humanas que se establecen en cualquier grupo de trabajo: la lucha de egos entre los cabecillas, las relaciones amorosas entre miembros del grupo que pueden generar grandes conflictos, el valor de la amistad por encima de todo, el conflicto que puede llegar a generar el dinero entre la gente...
No puedo terminar esta entrada sin poner la que en mi punto de vista es la escena en la que la película alcanza su clímax, su escena final:
En fin, espero que os haya gustado mi primera aportación en este blog, y si no habéis visto esta película no se a que estáis esperando (¡corred malditos!). Y recordad; EL ARTE ES UN ARMA CARGADA DE FUTURO.
Después de una eternidad sin tocar el Western volvemos a tratarlo de la mano de la obra maestra que es Johnny Guitar, eso sí, esta viene con un añadido de inconfundibles toques Noir.
Sterling Hayden es Johnny Guitar, un músico que llega a una casa de juegos regentada por Vienna (Joan Crawford), una mujer de armas tomar quien había mandado buscarle para que toque en su local. Poco después aparece un grupo liderado por Emma Small (Mercedes McCambridge) acusando a Vienna de pertenecer a la banda de Dancin' Kid (Scott Brady), acusados estos a su vez de diversos crímenes entre los que se encuentra el asesinato del hermano de Emma. Cuando estos entran también en el local, el Sheriff les dará a la banda 24 horas para irse del pueblo y a Vienna para cerrar su local.
Sinceramente, hablar de una película como esta se me queda grande, pero bueno, se hará lo que se pueda. Empecemos por el gran trabajo que hace Victor Young en la banda sonora, que acompaña a la perfección tanto los momentos románticos como los de acción. Sin olvidar la canción interpretada por Peggy Lee, que es sencillamente maravillosa.
En cuanto a las actuaciones, los cuatro actores mencionados están sobresalientes, pero lo de Joan Crawford no tiene nombre. Gracias a su interpretación vemos a una mujer fría como el hielo y capaz de hacer cualquier cosa por conseguir sus objetivos, pero con breves aunque indudables destellos de debilidad. Aun así cada vez que aparece en pantalla impone una presencia que se come al resto del reparto y hace que no puedas apartar la vista de ella.
Más cosas: la dirección. Qué decir del maestro Nicholas Ray. La puesta en escena es sensacional (ese local maravilloso) y gracias a su mano se crea una tensión que hace que estés ahí dentro jugando a la ruleta (cuyo sonido es una constante) o discutiendo con la infame Emma. También mencionar la fotografía en TrueColor, que es espectacular.
Pero todo lo mencionado anteriormente es tan grande porque se apoya en el inmenso guión de Philip Yordan (aunque por lo visto también metió mano el propio Ray), basado en la novela de Roy Chanslor. Este guión cuenta, indudablemente, con varios de los mejores diálogos de la historia del cine. Eso es así. Ya adelanto que mi próxima entrada será una escena con uno de estos diálogos.
Y poco más. Quizás no he sido muy objetivo y he abusado de adjetivos como "maravilloso", pero es que esta película me ciega y solo veo cosas buenas. Ahora os dejo un video que he encontrado en Youtube en que aparece una pequeña escena y la canción de Peggy Lee antes mencionada. Y estad atentos al blog que viene gente nueva para aportar nuevos puntos de vista.
La película se podría englobar dentro del género de terror zombie con la variante de la existencia de un virus de la rabia que desata una infección generalizada, volviéndolos rápidos y agresivos. Este género, excesivamente explotado, se expone a un presupuesto escueto, ya que "28 días después" contó con un presupuesto de 5 millones de dólares recaudando alrededor de 83 millones, repitiéndose la hazaña 5 años después con "28 semanas después". Ahí reside la importancia, dentro del género, de estas películas ya que logran crear sensación en el espectador de estar viendo algo nuevo dentro de lo sumamente repetitivo, ya sea debido al trabajo técnico, a la creación de ambientes que conlleven acontecimientos inesperados para el espectador o a una excelente banda sonora que acentúa, aún más, el clima que viven los personajes trasladando sus inquietudes a los partícipes de la historia. Además, del mérito que conlleva realizar un proyecto que nada tiene que envidiar a superproducciones con grandes presupuestos.
