Momento musical: el "I Wanna Be Loved By You" de la Monroe en Con faldas y a lo loco.

Hoy toca ni más ni menos que Marilyn Monroe, súper fantástica como siempre, cantando en una de las mejores comedias de la historia. Y como la película de Wilder ya la conocemos todos no añadiré nada más. Ya os digo que no será la última vez que la rubia salga en esta sección.

Alta fidelidad (Stephen Frears, 2000)

Ya que mi compañero sólo escribe sobre pelis de chinos y ostias he decidido traer una comedia romántica de esas que vienen tan bien estos días. Y es que Alta fidelidad es eso, una peli típica sobre líos amorosos con la que te ríes y pasas un rato agradable.
Rob Gordon, melómano y propietario de una tienda de discos, acaba de romper con su novia, por lo que toca reorganizar tanto su vida como su colección de discos. De esta forma nos hará un repaso de sus cinco principales fracasos sentimentales mientras intenta arreglar las cosas con su ex y, además, producir el disco de unos adolescentes a los que descubrió cuando les pilló robando en su tienda.
Hay que reconocer que John Cusack es un actorazo cuando quiere, y aquí hace un papelón como protagonista. Además el film cuenta con grandes secundarios como Tim Robbins y Catherine Zeta-Jones. También sale Jack Black, pero que no cunda el pánico, que tampoco sale mucho y está más o menos contenido.
Pero lo mejor de la película es el hecho de que estén todo el rato hablando de música y haciendo listas de las mejores canciones para cada momento, además de ese aire de nostalgia a los ochenta que se respira. En este sentido es obligatorio mencionar la BSO, la cual se trata de una selección de clásicos del rock bastante acertada.
En resumen, se trata de un film que, sin ser una obra maestra, es más que recomendable. Es muy entretenido y hace que te identifiques bastante con el prota, algo difícil de ver en una comedia romántica hoy en día. Si eres un amante de la música ya lo tendrías que haber visto.
Además sale Bruce Springsteen haciendo un cameo.

Escena: Pelea por el bastón en "El Reino Prohibido" (2008, Rob Minkoff)

Os traigo esta escena por el valor simbólico que tiene el enfrentamiento de 2 estrellas del cine de artes marciales como son Jackie Chan y Jet Li, para los aficionados a las películas de Kung Fu, el momento estrella en mi opinión, es esta escena.

El protagonista, interpretado por Michael Angarano, es un fan de las películas de Kunfg Fu. Un día mientras huye de la tienda donde compra las películas, después de presenciar el asesinato del dueño por unos matones del barrio, el bastón le transporta a este reino perdido, en el cual debe regresar el bastón a su dueño, el rey mono, si quiere regresar a casa. Jackie le ayudará en esta misión. Durante el camino son atacados por un extraño y éste les roba el bastón. Jackie debe recuperar el bastón que ha sido robado por un monje, al cual interpreta Jet Li.
En la pelea se hace referencia a muchos de los estilos y personajes de Kung Fu que han representado a lo largo de su carrera los protagonistas, como el estilo "borracho" de Jackie Chan en "El mono borracho en el ojo del Tigre", por otra parte el personaje de Jet Li esta basado en su saga "Erase una vez en China" en la cual interpreta al maestro Wong Fei Hung.
La película no tuvo demasiado éxito ni muy buena crítica, pero lo que importa es que Jackie Chan y Jet Li están en escena, listos para pelear.

Espero que os guste ^^

Enter the Dragon "Operación Dragón" (1973, Robert Clouse)

"Enter the Dragon" es la película más importante a nivel internacional de Bruce Lee, la película se estreno una semana después de su fallecimiento en Hon-Kong y dos semanas en Estados Unidos, falleció mientras rodaba "Game of the Death", está película lo confirmo como mito del cine en todo el mundo.

La historia tiene como protagonista a Lee (Bruce Lee) que es un experto luchador que vive en un templo budista, un día un agente extranjero le pide que trabaje con él para detener a Han (Shih Kien) un poderoso traficante de Opio, como tapadera utilizan el torneo que organiza el propio Han para infiltrarse en su isla privada. Lee tiene más razones para aceptar la misión ya que allí fue donde perdió a su hermana por culpa de uno de los secuaces de Han, O´hara encarnado por Robert Wall, Lee acepta la misión y entra en el torneo.
La película es diferente a las anteriores ya que no se centra solo en Bruce Lee sino que cuenta con Jhon Saxon como Roper, un luchador que necesita ganar el torneo para poder pagar sus deudas de juego, además de Jim Kelly como Williams  un experto luchador que huye de EE. UU. después de que se le acuse agredir a 2 policías durante una detención, ambos como co-protagonistas para atraer al público occidental, los dos son expertos artistas marciales y desempeñan un buen papel en la película.
Lee tiene la oportunidad de vengar la memoria de su hermana dentro del torneo en su pelea con O`hara (Robert Wall), aquí esta el combate.

Mientras está en la isla, Lee investiga las instalaciones del magnate Han como parte de su misión, por las noches se ofrece compañía femenina a los participantes, Roper (Jhon Saxón) y Williams (Jim Kelly) aceptan encantados, pero Lee recibe la ayuda de Mei Ling (Betty Chung) la agente doble que le cubre por las noches, durante las incursiones de Lee por la isla.

Han al descubrir que alguien esta realizando incursiones, empieza a sospechar de Williams, ya que había abandonado su habitación por la noche pese a estar prohibido, durante la reunión Han amenaza a Williams y este decide abandonar el torneo pero Han no se lo va a permitir, Williams se defiende pero es derrotado por Han.

Tras la desaparición de Williams, su amigo Roper empieza  hacer preguntas, Han lo lleva ante el cadáver de su amigo y le dice que él tiene que convencer a Lee para que se les una o enfrentarse a Lee en el torneo y vencer. Roper se ve obligado a aceptar el trato, durante su combate con Lee se niega a luchar y desencadena una batalla entre los participantes del torneo y los esbirros de Han, además Mei Ling consigue liberar a todos los prisioneros que estaban en las instalaciones, estos se unen a la batalla creando una oportunidad para que Lee pueda encargarse de Han.

Este se dispone acabar con Han y comienza una de las peleas más míticas de Bruce Lee.

Por último os dejo la última escena que grabo Bruce Lee de la película, aunque sea la escena con la que comienza la película.

Espero que os guste ^^

Momento musical: "Cosi cosa, it`s a wonderfull girl" en `Una noche en la opera´ (1935, Sam Wood)

Como le comente al jefe, aquí esta mi primer momento musical, con un clásico del cine como es "Una noche en la opera" de los hermanos Marx con MGM después de su ruptura con la Paramount, está película contiene varios temas musicales, propio del cine de la época pero me he decidido por "Cosi cosa". La escena tiene lugar en el barco en el que viajan de polizones Allan Jones (Ricky Varone), Otis (Groucho marx), Tomasso (Harpo marx) y Fiorello (Chico marx) en la parte pobre del barco, donde les invitan a comer y esconderse mientras son perseguidos por la tripulación, con un buen ambiente Allan Jones, que interpreta a un joven cantante de opera, se anima a cantar, acompañado de Harpo al arpa y Chico al piano, los cuales representan a sus agentes.

Espero que os guste ^^

¿Quién teme a Virginia Woolf? (Mike Nichols, 1966)

Aquí ya estamos hablando de Cine con mayúsculas, del que te atrapa, te emociona y te hace empatizar con sus personajes. Y en este caso del que te hace pasarlo tan mal como ellos, sumergiéndote en en ese cruel juego psicológico con el que ambos se castigan. Martha (Elizabeth Taylor) y George (Richard Burton) son un matrimonio totalmente autodestructivo, que se odian y se echan en cara todas los defectos y debilidades el uno al otro, haciéndose daño y ahogando sus penas en alcohol. Él es un profesor de historia de universidad y ella la hija del director de esa misma universidad. Tras una fiesta organizada por el padre de Martha, esta invita a su casa a un nuevo profesor y a su joven esposa. Esa noche acabará convirtiéndose en una auténtica pesadilla en la que saldrán a relucir los más oscuros secretos de los cuatro personajes y en la que se harán sufrir tanto como les sea posible.
¿Quién teme a Virginia Woolf? es una película con un nivel de violencia verbal y psicológica que pocas veces se ha visto en el cine, y que atraviesa la pantalla para golpearnos de lleno. No exagero cuando digo que esta película puede llegar ser agotadora si consigues meterte en ella desde el principio, generando una tensión importante.
No he dicho que esto es una adaptación de una obra de teatro, ni que es la primera película del director Mike Nichols, que posteriormente ha dirigido películas como El graduado y que aquí hace un trabajo sobresaliente. Pero si hay algo en lo que sobresalga esta película es en las magistrales interpretaciones, las cuales hacen posible este nivel de empatización del que os hablo. Richard Burton, George Segal y Sandy Dennis están absolutamente perfectos. Pero es que luego está la Taylor, que directamente hace una de las mejores interpretaciones de la historia del cine, transformándose en un ser tan vil y despreciable como vulgar y malhablado.
Os invito a que veáis esta película (o a que la revisionéis si ya la habéis visto) y a que me comentéis si ha hecho que os involucréis  tanto como yo con esta pareja que, en el fondo, se aman casi tanto como se odian.

Escena: Pelea Final en "The Big Boss" o "Kárate a muerte en Bangkok" (1971, Lo Wei)

Hoy os traigo la batalla final en The Big Boss, la primera película de Bruce Lee con Golden Harvest y que le llevo al estrellato en el mundo de las artes marciales.
Bruce tiene que enfrentarse al Gran Jefe, líder de una banda tailandesa que trafica con droga, utilizan una fabrica de hielo para ocultar su negocio, en la cual principalmente contratan trabajadores chinos y es aquí donde entra Bruce, que es un nuevo empleado, todo va bien hasta descubre que asesinan a varios de sus compañeros por descubrir la verdad sobre la droga.
Después de ver los cuerpos de sus compañeros asesinados, Cheng descubre la droga oculta en el hielo  y es emboscado por los tailandeses, después de matar a sus hombres Cheng decide acabar con el jefe de la banda.

El rival es Han Ying Chieh "Gran Jefe"  famoso actor y coreógrafo de artes marciales, en la pelea se utilizan bastante los saltos con trampolín en diferentes tomas para montar varias partes del combate, algo que no se repetirá en el resto de películas de Bruce Lee ya que no era partidario de este tipo de trucos para grabar los enfrentamientos, prefería las coreografías complejas.

Espero que os guste esta mítica pelea del cine de acción ^^

Escena: Desayuno en Training Day (2001, Antoine Fuqua)

Buenas lectores, hoy traigo una película diferente, una escena de Training Day. Una película sobre corrupción policial y negocios turbios dirigida por Antoine Fuqua. y protagonizada por Demzel Washington y Ethan Hawke.

En esta secuencia de la película el protagonista (Ethan Hawke) se reúne con su instructor (Denzel Washington) en la cafetería, intenta causar buena impresión pero solo consigue molestar a su instructor mientras éste lee el periódico, así que le pide que le entretenga contándole una anécdota.
Hawke le cuenta una historia de su periodo de prueba junto a una agente femenina pero Denzel Washington le interrumpe constantemente mientras lo hace. 
Básicamente se deja claro que Denzel está al mando y que Ethan simplemente tiene que callarse y observar.

Para mí se puede resumir la esencia de esta película en esta escena.

Escena: Quién está en el armario en El último Boy Scout (Tony Scott, 1991)

Si hablamos de cine de tíos duros de verdad en la década de los noventa hablamos de El último Boy Scout. En esta escena Joe Hallenbeck (Bruce Willis) llega a casa un día antes de lo esperado, y nada más hacerlo ya empieza a discutir con su mujer. Cuando entra en el baño se encuentra con que el espejo está empañado, por lo que alguien se acaba de duchar. Sin embargo su mujer tiene el pelo seco y, además, la tapa del váter está levantada. No hay nadie debajo de la cama, por lo que con quien sea que le esté engañando su mujer debe de estar en el armario. Joe resuelve esta situación como sólo un auténtico tío duro haría.

Cómo matar a la propia esposa (Richard Quine, 1965)

He leído autenticas barbaridades en Internet acerca de esta película, tachándola de misógina y de machista. Y aunque sí es verdad que esta película utiliza ciertos prejuicios para crear la comedia, dirigidos más contra el matrimonio que contra la mujer, el efecto final que trasmite es a mi entender el opuesto.
Jack Lemmon es Stanley Ford, rico solterón empedernido, dibujante de cómics y hombre de acción. Vive en una mansión en medio de Manhattan con su mayordomo Charles (Terry-Thomas), el cual se encarga de todo por él. Vamos, que tiene la vida que a todos los hombres nos gustaría tener, o al menos la tenía. Todo cambia el día en que, en una despedida de soltero, se casa borracho con una bella streaper italiana (Virna Lisi). La vida de casado será un infierno para nuestro protagonista, llegando incluso a interferir en la historia del cómic que realiza.
La película en general es muy divertida (la escena del juicio es ya mítica) y las casi dos horas que dura la película se pasan volando. Como he dicho, a primera vista puede parecer que porta un mensaje antimatrimonial y machista, pero creo que lo que de verdad pretende trasmitir es lo estúpidos que podemos llegar a ser los hombres.

Escena: El espejo de Sopa de ganso (Leo McCarey, 1933)

Y volvemos con otra escena clásica, esta vez de la mano de los hermanos Marx. Dos espías (Chico y Harpo) intentan robar los planes de guerra del presidente de Freedonia, Firefly (Groucho), y para ello se disfrazan de este. Cuando Harpo rompe un espejo, se verá obligado a fingir que es el reflejo del presidente, aunque Groucho, sospechando que ese no es él, intentará pillarlo. El resultado es esta divertidísima situación.

Momento musical: If I were a rich man en El violinista en el tejado (Norman Jewison, 1971)

La película de El violinista en el tejado está llena de grandes "momentos musicales", pero sin duda este es mi favorito. El protagonista, un pobre lechero judío con cinco hijas y ningún barón, mantiene una de sus muchas conversaciones con Dios, preguntándole por qué hay tanta pobreza y diciéndole qué haría si fuera rico. No hay que olvidar que la banda sonora fue adaptada (ya que esto es originalmente una obra musical) por el mismísimo John Williams.
No me digáis que no se os queda grabada en el cerebro después de escucharla.

Escena: sicilianos negros en Amor a quemarropa (Tony Scott, 1993)

Hoy os traigo una escena brutal de esa genial película que es Amor a quemarropa. Una panda de mafiosos van a interrogar al padre del protagonista, Clarence, acerca del paradero de su hijo, ya que este tiene en su poder una gran cantidad de cocaína que les pertenece. Pero en mitad del interrogatorio el padre de Clarence se pone a contar la historia del origen de los sicilianos, lo que saca de sus casillas a los mafiosos. Anda que no se nota que el guión es de Tarantino.
Esta es una película que probablemente vuelva a traer a este blog.

The young master “El Chino” (1980, Jackie Chan)

Primero me presento como colaborador de don Luis, después de intensas negociaciones sobre mi sueldo (inexistente) empiezo a colaborar en este blog tan respetado a nivel nacional… espero que disfrutéis mi entrada sobre una gran película de Jackie chan en su periodo en Hong-Kong.

“The Young master” es una de las primeras películas de Jackie Chan como director en el cine de artes marciales producido por Raymond Chow y Leonard Ho, Jackie da este paso en su carrera respaldado por el éxito conseguido en sus anteriores películas de entre las que destaco “El mono borracho en el ojo del tigre” (1978), “El puño del dragón” (1978), “La cámara de los 36 hombres de madera” (1976), “La serpiente a la sombra del águila” (1978) altamente recomendables si os gusta el género. Estas películas lo convirtieron en una estrella de la Comedia-Kung Fu que marca toda su trayectoria cinematográfica.

Empiezo con la película, en “El Chino” interpreta a Dragón estudiante de la escuela azul, la película comienza con los preparativos para El baile del Dragón el festival en el que compiten contra la escuela roja pero Jackie lesiona a su compañero Tigre, que era el encargado de representar a la escuela, el deberá ocupar su lugar durante el festival  pero Dragón descubre que el representante de la otra escuela es su hermano Tigre que finge lesionarse (min2-11, no he encontrado esta escena en concreto pero está la película por partes).

Después Jackie no le cuenta la verdad a su maestro (demasiado protector con Tigre), por su parte Tigre abandona la escuela, entonces el maestro le encomienda a Jackie que vaya en su busca y así comienza un viaje que traerá de cabeza a Dragón metiéndose en múltiples problemas, ya que Tigre se une a una banda de bandidos utilizando las mismas técnicas que este, Dragón es confundido con él y es perseguido por la policía, incluso es arrestado. Tienen lugar varias peleas bastante curiosas ya que se utilizan armas u objetos poco convencionales en el cine como el abanico (min 29-31), la banqueta (min44-49) y la falda (min1:14-1:18).

La película transcurre entre risas y combates  con coreografías bastante elaboradas de parte de Yan Tsan Tang y Jackie Chan, además de contar con un gran reparto de expertos actores en el género como Yuen Biao (luchador de la banqueta, hijo del jefe de policía), Hoi san lee (bandido), Pai wei (Tigre), Feng Tien (maestro), Shi Kieng (Jefe de policía) y Hwang In-Shik (Maestro Kam, jefe de los bandidos) entre otros.

Lo que más destaco de la película es su gran contenido cómico ya que se combina perfectamente con las peleas, además de formar parte de las mismas durante toda la película, por ejemplo la pelea final para ganar al líder de los bandidos y traer de vuelta a Tigre se desarrolla en base a que Dragón consigue vencer por desgaste ya que recibe una soberana paliza del maestro Kam, al que vence por resistencia y juventud, en la vuelta a su escuela es recibido como un héroe pero totalmente escayolado debido a las heridas de la pelea.

Un saludo y espero que os guste ^^

Creadores de sombras (Roland Joffé, 1989)

Hoy vengo con una historia interesantísima, y es que Creadores de sombras, cuyo título original es Fat Man and Little Boy, nos cuenta como en la Segunda Guerra Mundial el ejército de los Estados Unidos reúne a un grupo de científicos para crear el arma definitiva. Me refiero, obviamente, a la bomba atómica. El film nos muestra todo el proceso, desde que el general Leslie Groves (Paul Newman) reúne a los científicos, encabezados por el alemán Robert Oppenheimer (Dwight Schultz) hasta la culminación del proyecto. Además, conforme el invento iba cogiendo forma, los científicos eran cada vez más conscientes de qué estaban creando, lo que generaba disputas morales. Eso sumado a todas las restricciones a las que estaban sometidos por parte del ejército y al plazo impuesto por el mismo creaba un ambiente de tensión muy alta que se refleja bastante bien en el film.
A nivel interpretativo la película está más que aceptable. Paul Newman está genial como siempre y Dwight Schultz (que para quien no se acuerde es el de la gorra del Equipo A) encaja bien en el papel. Otros actores que destaquen son John Cusack, Bonnie Bedelia y Laura Dern.
Por otra parte, a nivel técnico la película es correcta sin más, y es una verdadera lástima que la banda sonora de Ennio Morricone pase tan desapercibida. Pero el problema principal está en el guión, que avanza con un ritmo bastante irregular, entreteniéndose a veces en líos amorosos que no nos importan.
Si por algo merece la pena verla es sin duda por la historia que nos narra, que, como ya he dicho, me parece interesantísima.



No he podio resistirme a poner esta escena del final de la peli, pero, como todos sabemos lo que pasó, no cuenta como spoiler. He dicho.

Momento musical: el Magic Dance de David Bowie en Dentro del laberinto (Jim Henson, 1986)

Esta no es una película de la que yo sea especialmente fan, pero salta a la vista porqué a pasado a la historia como un film de culto. En esta escena vemos a David Bowie cantando y bailando con un montón de muñequetes tan bien hechos y tan bien animados que parece que tengan vida propia. Y es que es ahí precisamente donde reside a magia de esta película, en los muñequetes. No es para menos teniendo en cuenta que el director, Jim Henson, es famoso por ser el creador de, entre otras cosas, Los Teleñecos.

El hombre que mató a Liberty Valance (John Ford, 1962)

Si hablamos de western hablamos de John Ford, el hombre que hizo que brillara con su máximo esplendor. Pero el tiempo avanza inexorable para todos y los momentos de auge llegan a su fin. Ford sabía esto mejor que nadie y ante la inminente decadencia del genero se despidió de él con el clásico que tenemos entre las manos. El hombre que mató a Liberty Valance es eso al fin y al cabo, un adiós nostálgico a una era que llega a su fin, dejando paso a la imparable modernidad. Y es que esta nostalgia la vemos en todas partes, desde el uso del blanco y negro hasta el hecho de usar actores ya veteranos para encarnar personajes muchísimo más jóvenes (los dos protagonistas tenían más de 50 años), pasando, cómo no, por el argumento.
El senador Ransom Stoddard (James Stewart) regresa al pueblo de Shinbone junto a su esposa Hallie (Vera Miles) para asistir al funeral de Tom Doniphon (John Wayne). Cuando la prensa le pregunta sobre Doniphon, Stoddard procederá a contar la historia de cuando llegó por primera vez al pueblo, comenzando por su primer y desafortunado encuentro con el maleante Liberty Valance (Lee Marvin).
En resumen, es la historia de un hombre del este que, al licenciarse en derecho, decide ir al oeste en busca de aventura. Un hombre pacifico, de leyes, que se dará de bruces con una sociedad violenta en donde la única ley que vale es la de las armas. Sin embargo, gracias a Stoddard esta sociedad irá cambiando poco a poco, siendo consciente del sistema democrático en el que están.
Como habéis podido ver, el reparto es espectacular. Stewart interpreta al típico hombre puro de leyes que ya ha interpretado en tantas películas y Wayne es el pistolero rudo que tantísimas veces ha encarnado. Vera Miles es la chica tras la que irán los dos protagonistas y Lee Marvin el malo más malo de todos. A primera vista parecen personajes de lo más estereotipados, pero el desarrollo de los acontecimientos y la evolución de estos personajes dotarán a los mismos de una gran profundidad.
Ford nos muestra magistralmente un enfrentamiento entre lo nuevo, representado por Stewart, y lo viejo, representado por Wayne, y lo hace de tal forma que te engancha desde el primer segundo y no te suelta hasta los créditos. Si sois fan del género supongo que ya la habréis visto, y si no ya estáis tardando. Y a los que no os guste el western, que por lo visto y para mi sorpresa sois muchos, os ruego que le deis una oportunidad, ya que esto nos es para nada un western típico.

Escena: el final de Modern Times (Charles Chaplin, 1936)

Ya os dije en la última entrada que esta película iba a salir tarde o temprano en todas las secciones del blog, y no he podido esperar más. Esta escena es en mi opinión uno de los mejores finales de la historia del cine. Después de tantas penalidades la pareja por fin a conseguido, en plena gran depresión, obtener un trabajo estable, lo que les permitirá en un futuro adquirir esa casa con la que siempre han soñado. Sin embargo la policía emite una orden de arresto contra ella, lo que les obliga a huir de la ciudad. Comienza la escena y vemos a nuestros protagonistas sentados al borde de la carretera, preparándose para partir. Por un momento ella se derrumba, "¿de qué sirve intentarlo?". Pero Charlot esta ahí para animarla y le dice algo así como "anímate, no te rindas, nos las arreglaremos". Ella le mira como diciendo "tienes razón", y se ponen los dos en marcha, ella con el ceño fruncido, desafiante. Pero cuando Charlot la mira le dice "sonríe", y los dos se alejan por la carretera con una amplia sonrisa. Y todo esto mientras suena la maravillosa banda sonora de Chaplin.
Si no os emocionais viendo esto es que no tenéis corazón.


Modern Times (1936) - "Smile" Charlie Chaplin [HD] por Eklecty-City

Momento musical: Charlot canta en Tiempos modernos (Charles Chaplin, 1936)

Tiempos modernos es, probablemente, mi película favorita de Chaplin, y lo más seguro es que acabe invadiendo las otras dos secciones (películas y escenas). Pero vamos a lo que nos interesa ahora: el momento musical. Charlot debe salir a cantar en el restaurante donde se encuentra para conseguir el trabajo, pero es incapaz de memorizar la letra de la canción, por lo que se la apunta en la manga de la camisa. Sin embargo, cuando sale pierde las mangas, así que se ve obligado a improvisar toda la canción. En esta maravillosa escena se pudo oír por primera vez la voz de Chaplin en una película.

Escena: el duelo en la granja de El caso Bourne (Doug Liman, 2002

Hoy os traigo una escena de una película que me encanta y que supongo que ya la habréis visto la mayoría. Bourne y Marie se refugian por una noche en la casa de un familiar de esta, escondiéndose de sus perseguidores. Sin embargo Bourne se da cuenta por la mañana de que les están esperando ahí fuera y sale a buscarlos. Así oirá por primera vez la palabra Treadstone en el final de esta gran escena de acción.

Novecento (Bernardo Bertolucci, 1976)

Tras el largo parón de verano os tenía que compensar con una buena película, así que vengo con un peliculón que, al igual que el parón, también es largo (303 minutos ni más ni menos). Lo voy a decir directamente, el único fallo que le puedo encontrar a esta película es que el guión avanza de forma algo irregular, lo que es completamente comprensible teniendo en cuenta la historia tan ambiciosa que nos cuenta. Lo que Bertolucci nos muestra aquí es el surgimiento en Italia de los nuevos movimiento políticos como son el socialismo, el comunismo y el fascismo. Y lo hace a través de los ojos de dos amigos de la infancia, el hijo de un terrateniente (encarnado por Robert de Niro) y el hijo de un campesino (al que ínterpreta Gérard Depardieu). Estos dos amigos, a pesar de crecer juntos, serán separados a causa de sus respectivas ideologías políticas. Pero la película no se queda sólo en lo político, sino que aparte de contarnos otros aspectos sociales de la época, como la llegada de las máquinas al campo y sus consecuencias, nos enseña todos los detalles de la vida de los protagonistas: la relación con sus familias, sus primeras experiencias sexuales, el primer amor… Por tanto, veo normal que el ritmo del film sea algo irregular al intentar abarcar tanto (ni más ni menos que dos vidas enteras), pero al contrario de lo que opina la mayoría, no creo que le sobre metraje. Eso en cuanto al guión, pero en lo referente a todo lo demás creo que la película es perfecta: la dirección de Bertolucci es impecable, la fotografía de Vittorio Storaro es magistral y no creo que haga falta decir nada de la partitura de Ennio Morricone. Mención aparte merece el espectacular reparto, en el que además de los ya mencionados Robert De Niro y Gerard Depardieu aparecen nombres de la talla de Burt Lancaster, Donal Sutherland, Dominique Sanda o Sterling Hayden. Entiendo que la duración, algo más de cinco horas, pueda echar a más de uno para atrás, pero sinceramente creo que merece la pena. Si la habéis visto comentadme, que en cuanto a esta película hay opiniones muy dispares.

Momento musical: By the sea en Sweeney Todd (Tim Burton, 2007)

Con esta entrada me despido hasta comienzo de curso, y lo hago estrenando una nueva sección: Momentos musicales. Aquí pondré canciones de musicales que, por algún motivo, me llamen la atención. Y como estamos en verano he decidido empezar con este By The Sea del musical de Burton, que la verdad me gustó bastante.

Escena: Raindrops keep falling on my head en Spiderman 2 (Sam Raimi, 2004)

Aprovechando que hoy se estrena el Spiderman de Marc Webb, voy poner una de las escenas que más recuerdo de la saga de Raimi. Sucede cuando Peter Parker decide no volver a ser Spiderman. El director nos muestra aquí el desarrollo de un día en el cotidiano mundo de Parker mientras suena la canción Raindrops keep falling on my head, que todos recordaremos por Dos hombres y un destino.

Escena: Bohemian Rhapsody en Wayne's World (Penelope Spheeris, 1992)

Esta es una de esas películas amadas por unos y odiadas por otros, pero lo que nadie puede negar es lo genial que es esta escena. Wayne y sus cinco colegas se meten en el coche y, mientras nos muestran la ciudad, comienzan a desfasar a ritmo de Queen. ¿Se os ocurre una presentación mejor?

Serenity (Joss Whedon, 2005)

El título de esta entrada es Serenity porque esto es un blog de cine. Si no fuera así el título sería Firefly, la serie de televisión en la que se basa la película. Hoy en día Joss Whedon es de sobra conocido por dirigir Los Vengadores, pero antes del film de Marvel ya tenía una enorme legión de seguidores por ser el creador de series como Buffy o Angel. Pues bien, en 2002 estrenó en la Fox este increíble space western que es Firefly. En él, el Capitán Malcolm Reynolds (Nathan Fillion) es un excombatiente por parte del lado perdedor de una guerra que involucró a toda la humanidad en un futuro en la que esta ha colonizado un nuevo sistema estelar. Dicha guerra fue un intento fallido de resistir al proceso de unificación política que llevaban a cabo los planetas centrales.

Pues bien, en los planetas fronterizos, los situados más al borde del sistema, es donde transcurre la mayor parte de la serie (y de la película), pues son los menos controlados por el gobierno central, ya que lo que de verdad reina en ellos es la ley del salvaje oeste. Y es que al terminar la guerra, nuestro protagonista compró una nave de transporte modelo Firefly, reunió una tripulación y se lanzo al espacio a ganarse la vida realizando todo tipo de trabajos, entre los cuales se encuentran el contrabando de mercancias, desvalijar otras naves o incluso el de mercenario a sueldo. Obviamente tienen prioridad los trabajos que más fastidien al gobierno central.

Al principio de la serie los protagonistas acogen como pasajero al doctor Simon Tam (Sean Maher), quien lleva como polizonte a su esquizofrénica y superdotada hermana, River (Summer Glau), personaje entorno al cual girará la película. Ambos son fugitivos perseguidos por el gobierno debido a que Simon rescató a su hermana de las garras de este, pues la tenían prisionera y estaban realizando experimentos con su privilegiado cerebro. La pareja acabará por unirse a la tripulación, la cual, además, esta compuesta por Zoë (Gina Torres), segunda al mando; Was (Alan Tudyk), el piloto; Jayne (Adam Baldwim), guerrero; Kaylee (Jewel Staite), mecánica; Inara (Morena Baccarin), que es una prostituta que tiene alquilada una de las lanzaderas; y el reverendo Book (Ron Glass), al cual acogen tambien como pasajero.
La serie fue cancelada tras emitirse once episodios de los catorce producidos. Sin embargo el enorme éxito de ventas que tuvo la serie en DVD hizo posible esta película, Serenity, escrita y dirigida por el mismo Whedon.
Centrándonos en esta, la tripulación es perseguida por el gobierno central, el cual quiere recuperar a River a toda costa. Además están los Ravers, caníbales espaciales que recuerdan bastante a zombies y con los que nuestra querida tripulación no para de toparse. Por otro lado la chica empieza a volverse un peligro para la propia nave, ya que a veces pierde el control de sí misma, convirtiéndose en una máquina de matar.
La película empieza mostrándote algunos hechos relevantes previos a la serie, por lo que no te pierdes si no la has visto. Aún así, te recomiendo encarecidamente que primero veas la serie ya que es imposible apreciarla igual. Con la serie le coges un cariño a todos los miembros de la tripulación que con el largometraje es imposible, ya que en este último se pasa muy rápido a la acción. Ya hay muchas cosas que contar como para detenerse en otras cosas.
Y este es el principal fallo de la película. La serie deja muchísimas cosas en el tintero, y obviamente la película no puede abarcarlas todas, pero sí aclara unas cuantas cosas. Para ello ha de sacrificar parte de su fresquísimo humor y parte de ese estilo western tan característico.
Como conclusión decir que la serie es muy superior a la película en todos los aspectos, pero que aun así la película no defrauda en absoluto.



Agradecer a El Podcast por descubrirme esta genial serie que ya forma parte de mis favoritas a pesar de su corta duración. Para quien no conozca a esta gente, se trata de un podcast de "historia y cultura pop" el cual recomiendo a todo el mundo.

Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979)

Pues pasamos de una película de casa encantada a otra que va más o menos de lo mismo, sólo que esta vez la casa encantada está flotando en el espacio y el fantasma no es un fantasma, sino una forma de vida xenomórfica a la que le gusta comer personas. Todos conocemos la saga Alien así que esta entrada va a ser muy breve. Digamos que el argumento se pude resumir en que a los protas de la peli se les cuela un bicho en la nave cuando van a investigar el origen de una misteriosa señal.
Esta es sin duda una de mis películas de terror favoritas, además de la primera parte de la que considero una de las mejores sagas de la historia. Y es que esta película lo tiene todo a su favor. Para empezar la labor de dirección del señor Scott, que sumada al diseño de la claustrofóbica Nostromo hacen que te metas enseguida dentro de la película. En segundo lugar tenemos a la protagonista, Ellen Ripley, la tipa más dura del espacio, interpretada por la genial Sigourney Weaver. Y finalmente tenemos la figura del propio alien, una de las criaturas más aterradoras que el cine a dado a luz.
En fin, que si no habéis visto esta saga ya estáis tardando. Especialmente las dos primeras son obras maestras, cada una en su estilo. Tambien os recomiendo que indaguéis un poco en el universo Alien más allá de las películas, que es mucho más interesante de lo que parece a simple vista.

La mansión encantada (Robert Wise, 1963)

La primera película de terror del blog no podía ser otra que el clásico de los clásicos de las pelis de casas encantadas. El punto de partida de The haunting (título original) es muy simple: un científico se propone investigar la existencia de fenómenos paranormales alojándose en una mansión en la que han ocurrido terribles sucesos a lo largo de toda su historia. Para ello reúne a un equipo de personas que él considara óptimos para el trabajo, entre las que se encuentra Eleanor, la timida protagonista del film, quien cree poseer ciertas habilidades psíquicas. Más típico imposible ¿no?

Pues sí, lo más fallido de esta película es sin duda el guión, y en todos los sentidos. Primero porque intenta meterse en el juego ese de si la protagonista, interpretada por Julie Harris, esta loca o no, cuando todo resulta bastante obvio. Además no terminas de empatizar con ninguno de los personajes, los cuales están bastante esteriotipados. Concretamente el de Eleanor es bastante repulsivo. Incluso los diálogos son más que olvidables. Pero me he dejado lo mejor (peor) para el final: ese horrible uso de la voz en off. Lo que realmente fastidia la película son los pensamientos en off de la protagonista, los cuales cortan la acción para explicarte lo que esta pasando cuando ya lo estás viendo tú mismo, haciéndote que odies aun más al personaje.
Pero entonces... ¿Por qué ver la película? Pues la principal razón se llama Robert Wise. El genial director, autor de películas como West Side Story, Sonrisas y lágrimas, Ultimatum a la tierra, La maldición de la mujer pantera, y un largo etcétera de grandes clásicos es el responsable de coger este guión nefasto y hacer de el un film brillante. Hay momentos en que la cinta consigue dar bastante miedo, pero no por lo que vemos, sino por la manera en la Wise nos lo muestra. De verdad que merece la pena verla sólo por su uso de los planos.
Para acabar sólo decir que la fotografía, que por otro lado es increíble, recuerda bastante a la de The Innocents, la cual es un par de años anterior.

Escena: plano secuencia inicial de Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940)

La verdad es que he visto esta película varias veces ya, pero no sé por qué hasta esta última vez que la vi no caí en lo genial de esta escena. Se trata justo del principio, en el que la protagonista rememora un sueño en el que vuelve a Manderley, la mansión que pertenecía a su marido, con quien se casa al principio del film.
Se trata de un plano secuencia increíble, en el que mediante el traveling la cámara atraviesa la verja de Manderley y avanza por el siniestro camino hasta llegar a la vieja mansión derruida.

Escena: El piano gigante de la tienda de juguetes en Big (Penny Marshall, 1988)

¿Quién ha visto esta película y no ha querido tener un piano gigante en el pasillo? Pues ya está. Y que no hace falta utilizar grandes planos secuencia ni rodar en hermosos paisajes para hacer que una escena pase a la historia.

Escena: huida y regreso en Érase una vez en América (Sergio leone, 1984)

Volvemos con otra escena de Leone, esta vez de su última película, la cual es más que probable que acabe comentándola entera, pero bueno. Aquí vemos como el personaje interpretado por Robert De Niro, Noodles, compra un billete de autobús, sólo de ida y cuyo destino le es indiferente. Posteriormente se dirige a un pequeño puesto que hay en una esquina de la estación para comprar algo. Lo compra y se acerca a la puerta de cristal que hay en una pared con un gran dibujo en el que se puede leer: Visit Coney Island. Entonces vemos muy de cerca la puerta, y enseguida aparece el reflejo de Noodles, pero han pasado 35 años y está viejo y cansado. Noodles se dirige al mostrador con la intención de alquilar un coche. En la estación todo es muy distinto ahora. Pero lo mejor de la escena es que mientras todo esto pasa suena el Yesterday de Los Beatles versionado por el mismísimo Ennio  Morricone, que ahí es nada.

Escena: partida al otro mundo en La última noche de Boris Grushenko (Woody Allen, 1975)

El otro día hablé de La última noche de Boris Grushenko, y me quedé con ganas de comentar la escena que da fin a la película. Se trata de un único plano fijo en el que se ve a Boris danzando (casi alegre, al menos en apariencia) con la muerte mientras avanzan por un camino situado entre dos filas de árboles y al borde de un lago. Simplemente genial.

La última noche de Boris Grushenko (Woody Allen, 1975)

Ya estaba tardando en salir Woody Allen en mi blog, pues se trata de uno de mis directores favoritos. Y, además, esta película en concreto es una de mis favoritas del neoyorquino.
Comenzaré diciendo que el título original es Love and Death, y es que la película se trata de una profunda reflexión de estos dos temas. De hecho, los protagonistas no se cortan ni un pelo en detener la acción, mirar a la cámara y ponerse a divagar sobre el amor, el sexo, la muerte, Dios...
Pero lo interesante de esta película es que todo ese profundo existencialismo es tratado siempre con el humor tan característico de los primeros films de Allen, cuya herencia de los Hermanos Marx es aquí más que clara.
Pero vamos con el argumento. La historia se sitúa en la Rusia de principios del siglo XIX, dónde Boris (Woody Allen) es un joven un tanto infeliz. Desde pequeño ha vivido obsesionado con la muerte, en el seno de una familia en la que no encaja y enamorado de su prima Sonia (Diane Keaton), quien está enamorada de Iván, el hermano de Boris. Tras la invasión de Napoleón, Boris se verá obligado a ir a la guerra.
En cuanto al aspecto técnico, destacar la fotografía (con abundantes y verdes espacios abiertos) y la banda sonora, del compositor ruso Serguéi Prokofiev. Por otro lado, el guión es ingenioso, divertido e irónico, repleto de frases ya míticas. El único pero es que en mi opinión, avanza a un ritmo muy irregular, extendiendo mucho en unas cosas y quedándose corto en otras.
Conclusión: obligatoria.

Escena: la muerte del Comediante en Watchmen (Zack Snyder, 2009)

Zack Snyder es un director que nos ha dejado muchas escenas de acción muy espectaculares, pero para mi esta resalta especialmente. Lo que hace de esta especial es sin duda el Unforgettable de Nat King Cole, que combina increíblemente bien con la violencia que vemos en pantalla.

Escena: el duelo final en El bueno, el feo y el malo (Sergio Leone, 1966)

Hoy inauguro una nueva sección, la Escena. Aquí me limitaré a poner una escena de película y a comentarla muy brevemente. En este espacio pondré escenas tan míticas como la de hoy, pero también pondré escenas más mediocres, por decirlo de alguna manera, pero que a mí me parezcan destacables o que, simplemente, me gusten. Una condición para que hable de estas escenas es que estén en Youtube, ya que no creo que me ponga a subir yo la escena. Ya tenía pensado esta sección desde hace algún tiempo, pero me ha pasado muchas veces que quiero poner una escena en el blog y justo esa no la encuentro, así que lo dicho.

Bueno, vamos a lo que nos interesa: la escena. ¿Qué decir del famosísimo duelo a tres que finaliza este peliculón que es El bueno, el feo y el malo? Pues que derrocha tensión y emoción por todos los lados, que es increíble el uso que hace Leone de los primeros planos y que Morricone es un maestro.

Esta escena ha sido homenajeada e imitada muchísimas veces en la historia del cine, pero el caso de Tarantino me resulta especialmente llamativo. Que se me ocurra ahora tenemos la escena final de Reservoir dogs, la escena del bar alemán de Malditos bastardos y el tiroteo final de Amor a quemarropa, en el que el guión de Tarantino lleva el duelo a tres de El bueno el feo y el malo a su extremo. La principal diferencia de estas escenas con la original es el desenlace. Mientras que en la de Leone sólo muere "el Malo", las de Tarantino acaban siempre con la muerte todos los participantes. También es verdad que en estas últimas no hay nadie tan duro como Eastwood.

En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín, 2007)

¿Pero esto qué es? ¿Una película española en este blog? Pues sí, y espero que sea la primera de muchas. En la ciudad de Sylvia es el último largo de ficción del director de documentales José Luis Guerín. La verdad es que no sabía como escribir esta reseña, por lo que me metí en Internet para mirar críticas sobre la película. No me ha servido de nada, así que me limitaré a decir lo que yo creo haber entendido. Por otra parte, tampoco tengo claro el término spoiler en este film, así que en el  argumento incluiré cosas que pasan muy avanzado el metraje.

La película se basa en la búsqueda de una mujer, Sylvia, por parte del personaje interpretado por Xavier Lafitte. El protagonista se trata de un recién llegado a Estrasburgo que recorre las calles de la ciudad, se sienta en cafeterías y se pone dibujar aquellas partes de las mujeres que le recuerdan en algo a Sylvia. En su segundo día en la ciudad, el protagonista cree reconocer a Sylvia en el personaje interpretado por Pilar Lopez de Ayala, por lo que la sigue por toda la ciudad.

En la ciudad de Sylvia es claramente una historia de soledad, de vacío. Es un intento desesperado de llenar ese vacío a través de la persona amada, una persona idealizada que seguramente no exista tal y como el protagonista la recuerda. Es también la búsqueda de una belleza tan idealizada como la figura de Sylvia, que se refleja a través de los dibujos inacabados del protagonista.

Punto y aparte merece la mención de la ciudad, que se trata de Estrasburgo, pero que podría ser cualquier ciudad europea. Esto que voy a decir sonará muy típico, pero creo que en este caso es verdad: la ciudad es un personaje más. Y no sólo eso, es el personaje que más lineas de diálogo tiene. Se nota muchísimo lo cuidado que está el sonido ambiente: las pisadas, las conversaciones ajenas, incluso una botella rodando sobre la calzada resaltan incluso por encima de la imagen.

Pues más o menos esto es lo que yo he sacado en claro, pero vamos, lo importante es que es una película muy bonita visualmente y que recomiendo muy especialmente. Eso sí, no es para eso que llaman el "espectador medio", es una película de ritmo lento y de planos muy largos, sin apenas diálogo. Sí la veis o ya la habéis visto dejadme un comentario, que en este caso vuestra opinión me interesa especialmente.

Paprika, detective de los sueños (Satoshi Kon, 2006)

Y le llega el turno a la primera película de animación del blog, que no es otra que esa maravilla que es Paprika. El film se trata de un ánime japones del estudio Madhouse y dirigido por el tristemente fallecido Satoshi Kon.

Me resulta difícil hablar del argumento sin desvelar partes importantes de la trama (¡spoiler!), ya que se trata de una película muy corta (unos 90 minutos) y en la que empiezan a suceder muchas cosas muy al principio. Por un lado, tenemos a Paprika, una especie de investigadora de sueños que analiza el subconsciente de la gente gracias a una máquina, el Mini DC, que le permite introducirse literalmente en el reino de lo onírico (¿os suena de algo?). Por otro, tenemos a la doctora Atsuko Chiba, quien utiliza el revolucionario invento de su compañero Kōsaku Tokita, el Mini DC, para tratar a sus pacientes. Tras producirse el robo de tres de estos aparatos, la doctora Atsuko comenzará a investigar el delito con la ayuda de su mentor y de un detective de policía.
Lo que la película nos muestra es un mundo en el que se mezclan los sueños con la realidad, de forma totalmente literal. Para ello, el director hace uso de una desbordante, y a veces desquiciante, imaginación. Es increible la cantidiad de objetos animados y surrealistas que llegan a aparecer en pantalla. En este sentido, los diseños son icreibles, y la animación es de una altísima calidad. También destaca la banda sonora de Susumu Hirashawa, que logra terminar de sumergirte en el delirante mundo de los sueños creado por Kon.
Paprika es, en resumen, una increible película tanto visualmente como argumentalmente. Es cierto que la trama es algo complicada, aunque no es dificil de seguir. Otro punto a resaltar es la cantidad de referencias cinematográficas que encontramos en ella.
Altamente recomendable.

All That Jazz (Bob Fosse, 1979)

Ya me iba tocando comentar un musical, y qué mejor para empezar que uno que va de hacer un musical. Y es que esta película se trata, casi, de una autobiografía del bailarín, coreógrafo y director Bob Fosse. En la película, Roy Scheider (el tío de Tiburón) interpreta al alter ego de Fosse, Joe Gideon, quien prepara un nuevo espectaculo de Broadway mientras termina de montar su última película. De esta manera vemos el día a día del realizador, su forma de ser (mujeriego, fumador empedernido y adicto a trabajo) y su relación con las tres mujeres de su vida (su hija, su exmujer y su novia), y todo ello alternado con una conversación que mantiene a lo largo de toda la película con la Muerte. Por lo tanto, desde el principio sabemos cómo va a terminar el film, pues aparte de estas conversaciones encontramos numerosas señales, como por ejemplo el hecho de que la película que está montando va de un humorista que hace un monólogo sobre la muerte. Sin embargo esto no impide que disfrutemos del sorprendente y apoteósico final, con el épico número Bye Bye Life.
Los números musicales siempre están justificados, de manera que son un ensayo, un casting de bailarines, alucinaciones… además la puesta en escena de estos es impecable, y la música maravillosa. Se nota que el guión está muy trabajado, así como la impresionante fotografía, pero lo que de verdad hace especial este musical es el montaje, que otorga al film un ritmo en ocasiones frenético.
All That Jazz no es para nada un musical convencional, es una obra única que recomiendo totalmente.



Ved el video que os dejo, Alucinaciones en el hospital toma 1, el cual se trata de uno de los momentos álgidos del film. Os aseguro que merece la pena.

Ghost Dog: el camino del samurái (Jim Jarmusch, 1999)

Hay veces que cuando ves una película resulta que esta es algo completamente diferente de lo que esperabas. Normalmente es para mal, vas al cine con unas expectativas y sales completamente defraudado y con la sensación de que te han engañado. Pero en ocasiones, las menos, ocurre todo lo contrario, y lo que esperabas que fuera un producto mediocre te deja anonadado y maravillado. Esto me ocurrió con la primera película que vi de Jim Jarmusch, Ghost Dog: el camino del samurái.

En el film, el actor Forest Whitaker interpreta a un solitario asesino a sueldo, Ghost Dog, que se guía por el rígido código de honor del samurái y que ha jurado fidelidad a un capo de la mafia italo-americana. En una ocasión, este le ordena matar a otro capo de la misma familia, pero la cosa se complica debido a que la hija del jefe de la banda presencia el crimen. Después de esto, toda la organización mafiosa querrá matar a nuestro samurái.
Este es, básicamente, el argumento. Pero la película es mucho más que una lucha por la supervivencia por parte del protagonista y una persecución por parte de la mafia que ya hemos visto en cientos de pelis de acción. En realidad, tiene muy poco de esto (poquísimo) y mucho de meditación, filosofía y todas esas cosas. Se trata de un cruce de distintas culturas y de formas de pensar. Así, vemos como Whitaker lee fragmentos del Hagakure, superpuestos en pantalla, mientras suena música rap de fondo.Vemos su amor y su respeto por la naturaleza propio de viejas culturas. Vemos que su único amigo es un vendedor de helados francés que no habla una sola palabra de inglés, pero con el que se entiende perfectamente... Sin embargo también vemos un código de honor desfasado y una cultura en decadencia (tanto por parte de Ghost Dog como de la banda mafiosa).
También se trata de un cruce de géneros cinematográficos tan variados como el cine de gánsters, el western, el cine negro o el cine de samuráis, todo ello mezclado a la perfección con unos pequeños toques de humor y con una increíble banda sonora de hip-hop compuesta por el rapero RZA.
En resumen, se trata, en mi opinión, de un film maravilloso y hermoso, casi poético. Vamos, que a mi me encanta.
 

PD. El vídeo que quería poner en un principio era este: http://www.youtube.com/watch?v=Pf2FFirkYXU, pero como no me deja pues he puesto un trailer.

Faster, Pussycat! Kill! Kill! (Russ Meyer, 1965)

Hoy vamos con un autentico film de culto de serie b que se ha convertido en todo un referente para directores muy posteriores. John Waters dijo de ella que es la mejor película que ha visto y Tarantino le hizo un claro homenaje en su Death Proof. Y todo esto viniendo de un director, Russ Meyer,  especializado en cine erótico que además era fotógrafo para la revista Playboy. De hecho, Faster, Pussycat! Kill! Kill! es el único film de Meyer en el que no aparece ningún desnudo íntegro.
En la película, tres voluptuosas bailarinas go-go matan a un joven que acababa de competir con ellas en una carrera automovilística y secuestran a su novia. Después, cuando paran en una gasolinera se enteran de que en medio del desierto vive un viejo, quien tiene escondido una gran cantidad de dinero, y sus dos hijos. Las tres chicas deciden ir a su casa con la intención de robarles.
Faster, Pussycat! Kill! Kill! se trata de una película muy violenta que cuenta con un lenguaje soez y que nos muestra un tipo de personaje femenino que no se había visto antes en la gran pantalla, una "femme fatale" sin precedentes. Por otra parte, cuenta con un montaje alocado y de ritmo trepidante, además de una espectacular fotografía en blanco y negro y una banda sonora de jazz increíble. Otro punto a su favor es su corta duración, apenas 83 minutos, lo cual es de agradecer en una película de este estilo. Tan bien es cierto que, tal y como comenté en un post anterior  que pasa con Asesinos natos, esta película cuenta con un muchísimos detractores que la acusan de simplona, de violencia gratuita y  de que su único atractivo sea el generoso escote de las protagonistas. Es verdad que el guión es algo simple, que es muy violenta y que las tres protagonistas llevan un más que generoso escote, pero como ya he dicho, esta película es mucho más. Así que, como también dije cuando hablé de Asesinos natos, vedla y me contáis.